Alle bestätigten Bands für das 29. Wave-Gotik-Treffen
Last updated: Mittwoch, 22.07.2020 20:19
Die Infos zu den inoffiziellen findet ihr unten
Aktuell 66 Bands
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Das Projekt Accessory wurde 1994 von Dirk Steyer in Chemnitz gegründet. Kurz darauf folgte Kay Resch seiner musikalischen Inspiration und trat dem Projekt bei.
Inspiriert durch die Electro-/Techno-Acts der frühen neunziger Jahre veröffentlichten
Accessory 1996 selbst ein erstes Tape: "Electronic Controlled Mind".
Ein halbes Jahr später folgte dann das offizielle limitierte CD-Release von "Electronic Controlled Mind" auf dem kleinen Label SD-Image.
Und mit dem Release folgten auch die ersten großen Live-Auftritte mit Bands wie z.B. Plastic Noise Experience, Mentallo and the Fixer, Evils Toy oder Cobalt 60.
Des weiteren folgte im Eigen-Release 1998 das Tape "Injection". Am Ende des Jahrtausends begrüßte Ivo Lottig die Band Accessory.
Er sorgte von nun an sowohl live als auch im Studio für Unterstützung.
Im Frühjahr 2000 ging Accessory auf eine dreiwöchige Deutschland-Tournee mit der Band And One. Live-Auftritte wie auf dem Dark-Storm-Festival, dem Wave-Gotik-Treffen oder beim Energie & Harmonie Mensch & Maschine-Festival mit Front 242 standen im gleichen Jahr an.
Zu dieser Zeit trennte sich Kay Resch von der Band und Jukka Sandeck stieß als neuer dritter Mann hinzu. Kay arbeitete von nun an als Light-Operator für die Band.
Kurz darauf folgte auch der Label-Vertrag mit der Plattenfirma Out of Line. Und so kam es, dass man Anfang 2001 das wirklich erste offizielle Album "Jukka2147.de" veröffentlichte und damit die Electro-Szene sowohl im Inland als auch international begeisterte.
Direkt nach dem Release stand eine Deutschland-Tournee an, zusammen mit
der Band Terminal Choice.
Genauso wie im Inland begeistert Accessory auch das Publikum im Ausland, wie z.B. in der Schweiz oder in Belgien. Nach den zahlreichen Auftritten wurde Ende 2001 die EP "Deadline" veröffentlicht, welche auch den gleichnamigen Hitsong "Deadline" ganz nach oben brachte.
Der Durchbruch war also geschafft, was auch die 5-wöchige Tour mit Hocico, auf der das Livealbum "Live./Hammer" aufgenommen wurde, im März/April 2002 bestätigte. Überall im In- und Ausland begeisterte Accessory das Publikum.
Im gleichen Atemzug veröffentlichte man die auf 100 Stück limitierte Live Edition Mini-CD "… and i say go".
Da diese CD sehr schnell ausverkauft war, entschied man sich Ende 2002, die Single "I Say Go" zu veröffentlichen, welche auch der Wegbereiter für das Album "Titan" war, das im Mai 2003 veröffentlicht wurde.
"Titan" setzte den Style und Trend Accessory's weiterhin erfolgreich fort und bekommen dadurch einen großen Zuwachs an neuen Fans überall auf der Welt.
Jukka Sandeck verlässt im Dezember 2003 die Band aus beruflichen Gründen. Jedoch geht es straight weiter.
Nach zahlreichen Live Konzerten wie in Israel, Italien oder Deutschland veröffentlichte Accessory im April 2005 das aktuelle Album „Forever and Beyond“, welches alle bisher erschienenden Alben der Band in den Schatten stellte. Die erste Auflage des Albums erschien in einem glanzvollen Digi-Pack, inklusive einer Bonus-CD, mit extra Songs und Videos. Darauf machte die Band noch einige Auftritte, unter anderem auf dem WGT 2006.
Anschließend folgte eine kleine Produktionspause, in der Mastermind Dirk eine einjährige Ausbildung zum Tontechniker absolvierte. Doch im Frühjahr 2007 war Accessory mit dem Song "Ewigkeit" in gewohnter geballter Energie zurück. Und schon ein paar Monate später kam die EP "Holy Machine", welche am 10.08.2007 bei Out of Line Music veröffentlicht wurde.
Zur gleichen Zeit verläßt Ivo die Band und Mike Koenigsberger kommt als neues Bandmitglied hinzu.
Seither übernimmt Mike die Liveperformance an den Keyboards und kümmert sich außerdem um das Management und Image der Band.
Im April 2008 veröffentlicht Accessory das Doppelalbum "More Than Machinery" welches sich über 8 Wochen in den Deutschen Alternativen Charts hält.
Kurz darauf startet die Band eine 4-wöchige USA Tour, mehrere Konzerte in Europa, Moskau und Kanada folgen.
Seit 2010 befindet sich die Band wieder im Studio und arbeiten am neuen Album, welches den Namen "Underbeat" tragen wird.
Die vorraussichtliche Veröffentlichung ist für ende Mai 2011 angesetzt, bei dem Label Out Of Line.
Bandmitglieder:
Dirk Steyer – Programmierung/Sampling/Synthesizer/Gesang/Mixing
Mike Koenigsberger – Synthesizer, Live Performance,
Veröffentlichungen:
2008 More Than Machinery
2007 Holy Machine
2005 Forever & Beyond
2003 Titan
2002 I Say Go
2002 Live./Hammer
2002 …And I Say Go
2001 Deadline
2001 Jukka2147.de
1997 Injection
1997 Electronic Controlled Mind
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The band released their self-titled debut EP shortly after they emerged onto the local new wave scene, giving them the opportunity to play live shows while continuing to experiment with their sound. Blending different genres of indie, alternative/dark wave and electronic pop, the band carved out a unique identity and style that appealed to broader audiences. Within a short timespan, Astari Nite became a regular feature at several monthly parties and showcases – and also a favorite among South Florida’s club promoters and music fans alike.
The band’s follow-up EPs, Winter’s Gone and Requiem Mass, established them as a regular live act on the club circuit. Astari Nite headlined a steady string of shows throughout 2009-2011 and also opened for such noteworthy national acts as Peter Murphy (Bauhaus), Cold Cave, Modern English and Apoptygma Berzerk.
A highlight from this time period in the band’s history was their performance at Miami’s Ultra Music Festival in 2011. Ultra is one of the largest and longest running music festivals in the world, and draws hundreds of thousands of fans each year with headliners such as The Cure, Crystal Castles and New Order. This exposure catapulted their prominence on the local scene and garnered respect amongst their peers as a viable live act with dance appeal.
Using the Ultra experience and momentum, the band hit the road for their first tour in support of Requiem Mass, their third studio EP. On the tour they played shows at several venues on the East Coast of the U.S., with both the EP and the tour being well received at stops in Florida, Georgia, New York City and Philadelphia.
Astari Nite has also released several music videos, with the band showcased for the first time on screen in True Romance. This black-and-white video tapped into the lyrical world of singer/songwriter Mychael Ghost and was also featured on many prominent web-radio stations and music blogs.
Another fan favorite, Astrid was a video diary of sorts and documented the band on their first tour, as they made their way north from their native Florida up the East Coast. Astrid shows the band in a candid setting, experiencing many of the highs and lows associated with being on the road together for an extended amount of time.
It wasn’t until meeting with Grammy-award winning producer Stephen Thompson (Whitney Houston, Blues Traveler, Korn) that Astari Nite took their songwriting to a new – and slightly more mature – direction. Thompson seamlessly allowed for their style to find a natural home in the new wave/indie market.
After hitting the studio for months on end to find the right combination of feel and technique under Thompson’s direction, Stereo Waltz was released in 2013. The band’s first full-length album featured their acclaimed single, Pyramids. This song highlighted the band’s now-crystalized electro-dance sound and received many accolades from local DJ’s and critics. Pyramids solidified the band’s claim as a viable act on the brink of success, worthy of all the attention they were getting.
After undergoing several line-up changes, the band has come into its own with Mychael Ghost (Vocals), Michael Setton (Guitar), Monch Sallons (Bass) and Illia Tulloch (Drums & Keyboard). Their next EP is slated for release in late-2014 on Danse Macabre Records. . User-contributed text is available under the Creative Commons By-SA License; additional terms may apply.
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1) Beyond Obsession – eine deutsche Synth-Pop/Electro-Band aus Hamburg/Berlin
2) Beyond Obsession – eine britische Classic Rock/Metal-Band aus Worcester
Die Bilder mit den Titeln "bo-uk" und "bo-uk2" beziehen sich auf die britische Band, die anderen auf die deutsche.
In der folgenden Biographie geht es um die deutsche Band "Beyond Obsession"
Drei Jungs aus dem Nordosten Deutschlands mit der Liebe zu harmonischen Melodien und treibenden Sounds!
Als sich Nils, André und Sören 2011 trafen, war allen klar, dass die jeweiligen Einflusse der drei zu einem stimmigen musikalischen Gesamtbild führen können.
Sowohl Nils als auch André waren seinerzeit Mitglieder einer hamburger Band, in der Sören später als Live-Drummer mitwirkte.
Mit Auftritten – unter anderem auf dem WGT, dem Synthage-Festival, der klangSYNTHese und dem Dämonenball – sammelten sie reichlich Live- und Bühnenerfahrungen.
Da die musikalischen Vorstellungen der drei sich zu sehr von dem Gesamtkonzept der damaligen Band unterschieden, entschlossen sie sich, ihre Ideen in einer eigenständigen Band umzusetzen. So kam es am 06.06.2012 zur Gründung von "Beyond Obsession".
Sänger Nils, als Kopf der Band verantwortlich für Songwriting, Vocals, Synth und Gitarre, stammt aus einer Musikerfamilie aus Rostock und begann somit schon früh, seine einzigartigen Fähigkeiten zu entwickeln. Er lernte bereits als Kind Gitarre und Piano zu spielen, arbeitete beinahe täglich an seiner Stimme und schrieb schon in jungen Jahren erste Songs.
Seine gefühlvolle Stimme verleiht der Musik von "Beyond Obsession" ihre Aussagekraft und Tiefe. Oft hört man sein Idol Martin L. Gore heraus – aber genau das macht seine Songs auch aus. Er kopiert nicht, sondern kreiert seine ganz eigene stimmliche Landschaft.
André und Sören sind relativ spät zur Musik gekommen. Zwar sind beide mit den elektronischen Klängen von Depeche Mode & Co aufgewachsen, haben aber erst später ihr Faible fürs Musik machen entdeckt.
Als Autodidakten experimentierten sie in ihren Homestudios in Potsdam an Drums und Synthesizern und schufen, beeinflusst von Szenegrößen wie "VNV-Nation" und "Covenant", etliche Ideen, die nun endlich innerhalb der Songs von "Beyond Obsession" verarbeitet werden.
Sören zeichnet sich massgeblich für die Drumgestalltung der Songs zuständig. Von ruhig bis krachend ist alles drin. André erschafft stets und ständig Sounds, die neuartig klingen aber dennoch vertraut wirken. All das führt am Ende auch zu dem breiten musikalischen Spektrum der Band.
"Beyond Obsession" will nicht versuchen, eine von unzähligen Bands zu werden, die sich nur zu leicht in eine Schublade pressen lassen. Die Jungs erschaffen ihre eigenen musikalischen Welten, die von stimmungsvollen Balladen bis hin zu mehr als tanzbaren 140 bpm-Nummern alles bieten.
Man hört den Songs der Band an, dass der Spass an und die Liebe zu guter(!) Musik klar im Vordergrund steht.
Im November 2012 wird die erste Single "On my way" veröffentlicht.
Im März 2013 wird "Tokio Underground" veröffentlicht, im Mai 2013 der "Hartung & Schleinitz clubRMX" des Songs.
Am 21. September 2013 erscheint das Debütalbum "Listen, Learn and Speak". http://www.youtube.com/watch?v=5r9hHy9zico
www.BeyondObsession.de
Videos
On My Way -> http://www.youtube.com/watch?v=H7Gb8paikKM
Tokio Underground -> http://www.youtube.com/watch?v=a-8r8I4vdIA
Tokio Underground (Hartung & Schleinitz ClubRMX) ->http://www.youtube.com
/watch?v=AiVLKveRSQM
(I don't) hate you -> http://www.youtube.com/watch?v=iXj9FTqEjEE
Nothing like that -> http://www.youtube.com/watch?v=2TUGH5EQ8Sc . User-contributed text is available under the Creative Commons By-SA License; additional terms may apply.
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Eine Punk/Progressive-Rock-Band aus Belgien, eine Postrock/Pop-Band aus der Schweiz, eine niederländische Death-Metal-Band, eine tschechische Rock-Gruppe sowie eine Classic/Stoner Rock Band aus Norwegen.
Die belgische Band wurde 2014 in Leuven gegründet und besteht aus Stefanie Mannaerts (Schlagzeug/Gesang), Stijn Vanhoegaerden (Gitarre) und Peter Mulders (Bass). Sie veröffentlichten 2017 ihr Debüt "Burst" beim englischen Label Hassle Records.
Die Schweizer: Hans Alvador plays guitar and sings // Michaël King plays drums // Lili Sweetgreen plays bass and synthesizer // Leverkuhn plays guitar.
Die Death-Metal-Band aus den Niederlanden wurde im Jahr 2000 gegründet. Die Texte der Band sind ausschließlich in niederländischer Sprache. Nach dem Demo erhielt die Band einen Plattenvertrag bei Unique Leader Records.
Am 24. Oktober 2006 nimmt sich Brutus-Drummer Maarten "Ploegbaas" Luysterburg (ex-Goddess of Desire) das Leben. Maarten wurde nur 25 Jahre alt.
Die tschechische Rock-Band Brutus gründete sich 1966 in Rakovnik, damals unter dem Namen Mandragora. Nach weiteren Unbenennungen des Bandnamens, z.B. in Elektronik oder Kyklop einigte man sich auf den Namen Brutus.
Seit der Gründung änderte sich die Bandbesetzung einige Male, was auch auf das Alter der Band zurückzuführen ist. Brutus tritt auch heute noch in und um Rakovnik in Mitteltschechien auf. . User-contributed text is available under the Creative Commons By-SA License; additional terms may apply.
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Inspired by Nature, Death and Spirituality.
Story about path through practice of ancient magick. Hailing to the old gods. . User-contributed text is available under the Creative Commons By-SA License; additional terms may apply.
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Gründungsmitglieder waren Ronny Moorings aus Den Haag und Anke Wolbert aus Eindhoven, die während ihrer Studienzeit in Nimwegen den Entschluss fassten, die Band Clan Of Xymox – zunächst unter dem Namen Xymox – ins Leben zu rufen.
Xymox wurde 1985 für das gleichnamige Debut auf Clan Of Xymox erweitert, bereits 1987 jedoch erneut auf „Xymox“ verkürzt.
Nachdem die Band in den 1990er Jahren in der Versenkung verschwand, feierte sie 1997, nun wieder mit vollständigem Bandnamen und mit Gothic-Rock-lastigen Songs, ihr Comeback. Spätere Alben ab dem Jahr 2002 tendieren aufgrund des Einsatzes von Techno- und Dance-Elementen allerdings vermehrt in Richtung Future Pop.
Hintergrund
Inspiriert von der musikalischen Aufbruchstimmung der späten 1970er und frühen 1980er Jahre, entschied Ronny Moorings sein eigenes Projekt zu gründen. Als Anregung diente die Neue Deutsche Welle, die zu jener Zeit mit Künstlern wie DAF, Die Krupps, den Einstürzenden Neubauten und Geisterfahrer über die Grenzen nach den Niederlanden schwappte. Simultan dazu breitete sich die britische Gothic-Welle mit Gruppen wie Bauhaus, Virgin Prunes, The Cure, The Sisters Of Mercy und vielen anderen auf dem europäischen Festland aus und hinterließ bei Moorings deutlich Spuren. . User-contributed text is available under the Creative Commons By-SA License; additional terms may apply.
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Anfangs als Studioprojekt angelegt, stießen dem Einmannprojekt die beiden Keyboarder Shaun F und Mr. Petersen sowie der Drummer Joe Letz und der Perkussionist John H hinzu. Die Band tourte durch Deutschland, Italien, Holland und England und schließlich durch die USA mit zunehmendem Erfolg.
Im Herbst 2004 veröffentlichten Combichrist mit Sex, Drogen und Industrial eine EP, die sieben Wochen den Spitzenplatz der DAC erreichten. Im Frühjahr 2005 wurde das vor allem in den USA (dort unter dem Label Metropolis Records) erfolgreiche Album Everybody Hates You veröffentlicht, welches deutlich technoider klingt. Textlich drehen sich ihre Werke hauptsächlich um Themen wie Sex, Drogen, Gewalt sowie das Individuum, die Vergänglichkeit des Seins und gesellschaftliche Dekadenz.
What the Fuck is Wrong With You People? wurde 2007 über Out of Line / Metropolis Records veröffentlicht und hatte mit einem Mix aus typischen brachialen und einigen ruhigeren Tracks großen Erfolg. Um für das neue Album angemessen zu werben, unternahm Combichrist die nächste Welttournee unter dem Namen „What the Fuck Is Wrong with This Tour?“ und spielten in Amerika, Europa und Australien.
Nach der Tour verließen Perkussionist Jon H. und Keyboarder Shaun F. Combichrist, stattdessen nahmen die beiden Neuzugänge Kourtney Klein und Z Marr deren Plätze ein.
Mit einem deutlich aggressiveren Sound wurde Ende 2008 Frost EP: Sent to Destroy veröffentlicht. Kurz darauf erschien im Februar 2009 auch das dazugehörige Album Today We Are All Demons, das ebenfalls einen sehr europäischen Sound aufweist.
Anlässlich der Veröffentlichung ihres neuen Albums starteten Combichrist am 14. Januar 2009 ihre dritte große Tournee „Demons on Tour“ mit Auftritten in Amerika und Europa. Die bisherige Perkussionistin Kourtney Klein wurde durch Trevor Friedrich abgelöst. In Deutschland traten sie unter anderen in Hamburg, Leipzig, Köln, Frankfurt und München auf.
Ende 2009 waren Combichrist als Vorgruppe für Rammstein bei der Europa-Tour zur letzten Rammstein-Veröffentlichung Liebe ist für alle da dabei.
Am 8. Oktober 2010 verkündete das Management von Rammstein, dass Combichrist bei ihrem einzigen Auftritt in den USA, im Madison Square Garden am 11. Dezember 2010, erneut als Vorgruppe auftreten werden.
Diskografie
The Joy of Gunz (2003)
Everybody Hates You (2005)
What the Fuck is Wrong With You People? (2007)
Today We Are All Demons (2009)
Making Monsters (2010)
No Redemption (Official DmC: Devil May Cry Soundtrack) (2013)
We Love You (2014)
This Is Where Death Begins (2016) . User-contributed text is available under the Creative Commons By-SA License; additional terms may apply.
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Klischees über Afrika und über indigene Kulturen generell gibt es aber auch jenseits des Kitsches zu Genüge und sind auch dann, wenn man einen harten „realistischen“ Ansatz wählt, kaum zu vermeiden. Selbst beim Fokus auf ein von Abhängigkeiten, Kriegen, Epidemien und ideologische Orientierungskrisen geprägtes Leben einer um Identität und Selbstbestimmung ringenden Bevölkerung, ist es doch stets der Blick des „weißen Mannes“ auf das Leben und die Würde des kulturell Anderen, der ins Werk gesetzt wird, sobald ein solcher Ansatz nicht aus Afrika selbst stammt. Dieser Blick jedoch, seine Projektionen, in denen man je nach Perspektive stets chauvinistische und paternalistische Spuren finden mag und ggf. der Versuch, all dies glaubwürdig zu überwinden, ist ein durchaus dokumentierenswürdiges Thema, das sich ästhetisch vielfältig umsetzen lässt.
Der Forderung in einem Leserbrief im Wire (hier kann man Musik des Verfassers hören), in dem Bennetts Stilbezeichnung als „beleidigend“ empfunden und postuliert wurde, es werde der Eindruck erweckt, es gebe keine schwarzen Musiker, die diese Art Musik spielten, ist mit Bezug auf den oben angesprochenen Blick des weißen Mannes nachvollziehbar, und auch der Verweis auf die Vergangenheit, in der fortwährend schwarze Musik(kultur) von Weißen, wenn schon nicht gestohlen, so doch oftmals kommerziell erfolgreicher umgesetzt wurde, was auch mit dem Rassismus in Radiostationen zu tun hatte, ist nicht falsch. Wenn sie fordert eher afrikanische Noisekünstler zu unterstützen, kann man vielleicht entgegenhalten, dass (gemessen daran, dass Bennett ja nicht einfach Stile nachspielt und dies auch keineswegs mit dem Gestus des Authentischen tut) beides seine Relevanz hat und bei der Gelegenheit auch noch auf diese Compilation verweisen, die allerdings nicht auf die subsaharische Region begrenzt ist. Insgesamt erhielt Cut Hands jedoch eine ausgesprochen positive Resonanz, die sich zum Teil recht eklatant von dem Enfant Terrible-Status seiner früheren, überwiegend subkulturell rezipierten Band unterscheidet – besonders anschaulich wird dies, wenn man die noch vor wenigen Jahren geäußerten Einwände David Toops gegen eine Auszeichnung Whitehouse’ im Kopf hat und mit der Akzeptanz vergleicht, die Bennett mittlerweile im Rahmen zahlreicher öffentlicher und privater Institutionen erhält.
Als Höhepunkt dieser Akzeptanz– und bei einem Künstler, der eine Zusammenstellung einmal „Cream of the Second Coming“ nannte, ist das ein durchaus beabsichtigtes Wortspiel – lässt sich Bennetts Klanginstallation Extralinguistic Sequencing in der Tate Modern nennen. Aus diesem mit Mimsy DeBlois (die für das Artwork und die Linernotes von „Black Mamba“ verantwortlich zeichnet) konzipierten Werk wurde sogar Material für den Opener verwendet, der sich mit seiner Verwendung von Stimme auch etwas von den anderen Stücken abhebt. Auf „Black Mamba“ finden sich ein paar Stücke, die an die fast ausschließlich auf Perkussionsspuren reduzierten, skelettierten, hektischen Tracks des Debüts anknüpfen, so etwa das Titelstück oder „Erzulie D’en Tort“. Aber wie auch schon auf dem Debüt gibt es die (fast) perkussionslosen atmosphärischen Klangflächen: „Krokodilo“ (noch mit behutsamen Rhythmus), „Nzambi Ia Ngonde“ (mit schon fast überraschend sphärischen Elementen) und „El Palo Mayombe“ (das fast zu wenig unheilschwanger klingt). Bezeichnenderweise sind das die Tracks, die auf Soundtracks Verwendung fanden: „Krokodilo“ untermalte Teile einer Doku des Vice-Magazins über Drogenabusus in Sibirien (und jeder wird sich vorstellen können, dass der Titel wenig mit der Echse, sondern vielmehr mit der Droge gleichen Namens zu tun hat), letztere beiden fanden Gebrauch bei „Reincarnated“, einer Dokumentation über Snoop Dogg bzw. Snoop Lion (wie er sich jetzt nennt) in Jamaika.
„No Spare No Soul“ ist vielleicht das einzige Stück des Albums, das die Assoziationen, die durch einen de facto vagen Begriff wie Afro Noise evoziert werden, tatsächlich erfüllt, wird hier doch Perkussion mit atonalen Störgeräuschen kombiniert. Laut Bennetts Blog markiert der Track eine neue (Aus)Richtung. „Kongo“ beginnt mit Perkussion, die wie Schüsse klingt und unweigerlich muss man an das „groteske Vokabular des Kongo“ denken und auch an den Ursprung des Projektnamens. Das schon von der sogenannten „Japan-EP“ bekannte „Brown-Brown“ verknüpft hektische Perkussion mit dunklen Klangflächen, wobei das darauf folgende „54 Needles“ dann aber ein Track ist, der am wenigsten an Noise denken lässt, und wie eine entspannte Untermalung eines Chillout klingt. Das Stück ist fast schon ein bisschen (zu) brav. Als Gegenpol dazu enthält „Nzambi Ia Muini“ wieder (wie „Nzambi Ia Lufua“ auf dem Debüt) hochfrequente Töne und es wird völlig auf Rhythmus verzichtet. Abgeschlossen wird das Album von „Nine-Night“, einem leicht perkussiven Stück.
Nachdem sich das Debüt „Afro Noise“ eher nach und nach aus den im (zumindest vorläufigen) Endstadium befindlichen Whitehouse herausentwickelte, ist das ein Jahr nach dem Erstling erschienene “Black Mamba” dann auch vielleicht zwangsläufig weniger hektisch und harsch. Das ist rein deskriptiv zu verstehen, denn hier zeigt sich, dass Cut Hands eine noch größere Unabhängigkeit von Bennetts Vorgängerband hat. . User-contributed text is available under the Creative Commons By-SA License; additional terms may apply.
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They have released 7 albums: "Le paradise funèbre, l'envers du tristesse" (2006), "Silencis" (2008), "Nuclear Sun" (2009), "Le paradis funèbre II" (2014), "Fragments of life, love and war" (2016), "Contaminated" (2107) and United yet Divided (2019)
Facebook: ?https://www.facebook.com/derblauereiterband/
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Das Projekt wurde 2002 gegründet und wechselte im Laufe der Zeit mehrmals die Stilrichtungen. Während in den anfänglichen Jahren überwiegend Experimental und Drum'n'Bass erstellt wurden, begann Max Meyer Anfang 2006 mit weiteren, härteren Stilen zu experimentieren. Erste Erfolge feierte Meyer im Juni 2007 mit dem Song "scabbed Angel" welcher als Soundtrack zum Independent-Film Die at Dawn von Daniel Laufer diente.
Sowohl der Band- und Künstlername Devil-M beruht auf eine 2002 entworfene Zeichnung Meyers in der ein Graffiti des Buchstaben M mit Hörnern zu sehen war. Dadurch entstand aufgrund der Hörner die Bezeichnung Devil (Deutsch: Teufel) mit dem Buchstaben M, welcher für verschiedene Wörter stehen kann, wie etwa der Vor- und/oder Nachname Max Meyers oder die Referenzierung zur Musik.
Über die Jahre arbeiteten zahlreiche Künstler und DJ's bei dem Projekt mit. Unter Anderem für Remixe Wormparade, Vhelena Projekt und ES23. Zudem gab es innerhalb der Bandbesetzung Gastauftritte von u. a. Redgrave, When Nightmare Ends und Glycer. . User-contributed text is available under the Creative Commons By-SA License; additional terms may apply.
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The Band members are: Gwydion Enbarr, Tristans Elis
cooperative creative minds: AjNa, Tysja, Dr. Wonka
In September 2005 the neo-classical Band „Diodati“ singned at Bright-Light-Records to release their first official album “Souls Lament”. Their musical variety of Gothic, Classical, Wave and Avantgarde might be an enrichment for everyone who likes to enjoy some kind of different music. The three musicans Gwydion Enbarr, AjNa and Tysja made it their basic principle not to yield to any of the known genres and so their work is more of a blend of Gothic, Classical, Wave and Avantgarde which nevertheless makes a smooth and sound listening experience. All this is combined with literal texts and passages of classical music without cutting down the the artists creativity. Compositions from Bach to Satie and Prose of all litheral ages amalgamate with own compositions and texts in a huge cross-genre-meltigpot to a harmonious mélange of sound and music.
After a successful and eventful while changes became necessary and AjNa and Tysja decided to continue working with Diodati further on at concerts and recordings but to back out of the creative process of working on new songs and albums. So a new era of Diodati began with the face and creative mind of Tristans Elis, a creative and ambitious young man who joined the the band, filled the creative gap and is now in addition to Gwydion the second mastermind behind Diodati. In addition to him Dr. Wonka also got part of the band as a kind of permanent guest musician on the piano and the contrabass to complete the band.
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Im Jahre 2011 fanden sich fünf Musiker aus dem tiefsten Osten der Republik zusammen, um ihren Unmut musikalisch Ausdruck zu verleien. Antipathie gegen herrschende Trends, galt als Motor für eine Maschine, welche sich im ersten Moment zäh und schleppend auf ihre Opfer zubewegt, um ihnen im nächsten ein Messer in den Rücken zu rammen. Doch Mutter sagte schon: Vertraue nicht dem Mann mit den Süssigkeiten!
Während sich also musikalsch Zuckerbrot und Peitsche die Klinke in die Hand geben, regiert lyrisch die Kreissäge oder noch besser gesagt die Schlinge. Das Logo der Band steht als Sinnbild für eine Generation, die längst mit ihrer Zukunft abgeschlossen hat. So werden Gefühle von Ohnmacht, Hoffnungslosigkeit, Wut und Trauer textlich in die mentale Black Box gepackt.
Die Band weiß wovon sie spricht, denn jedes Mitglied hat seine eigenen Tragödien miterleben müssen und ein Keller reicht längst nicht mehr für alle Leichen aus. Auch wenn Namen ja bekannlich Schall und Rauch sind, so sollte doch auch spätestens jetzt der gemeine RTL-Nachmittagszuschauer mitbekommen haben, welchem Gedanken der Bandname entspringt.
Der visuelle Aspekt spielt ebenfalls eine große Rolle und steht im Verhältnis 1:1 zur Musik. Die Ästhetik des Hässlichen bietet Futter für eine oberflächliche Gesellschaft, welche sich in ihrer Selbstverliebtheit verliert. Für die aufwändige Bühnendekoration ist dafür ein Profi verantwortlich, welcher Requisiten für Geisterbahnen in ganz Europa herstellt.
Im September 2012 erschien die erste EP "Wrong Side Of Life" welche im Wamb Studio, unter der Regie von Ex E-Craft Mitglied Wassi, aufgenommen wurde. Der Sound der Platte ist gewollt roh und ungeschliffen und nimmt somit die Opposition zu den vielen glattgebügelt, seelenlosen Produktionen ein. Und obwohl die Band jegliches Schubladen und Szenedenken verabscheut, kann man den Stil am ehesten dem Dark Rock Genre zuordnen.
Alle Mitglieder können auf eine langjährige Liverfahrung zurückblicken und sind geil darauf, sich ihren Freunden und vor allem Feinden zu präsentieren. Nebenbei wird an Songs für das kommende Album "Sound of the Fallen" geschrieben, welches noch in diesem Jahr im eigenen Studio aufgenommen wird.
Und so nimmt die Tragödie weiter ihren Lauf…
Enter Tragedy:
Sensu Carens – Vocals
The Chosen Pessimist – Guitar
2 Face – Drums
Robert Juan – Bass
Antje – Keys
More Infos:
entertragedy@web.de
facebook.com/entertragedy
youtube.com/entertragedychannel
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ESA was born in 2002 in order to cross the threshold from one genre of extreme music to another. Jamie Blacker up until this point had been writing music semi-professionally for years in the UK black / death metal scene, touring and recording alongside some of the most respected acts in the scene.
Having decided to experiment in Dark Electronics, ESA began to slowly gain European and US notoriety, predominantly owing to a slew of critically acclaimed live shows which impressively incorporated powerful live beats, guitars and various surprise guest vocalist appearances, this along with a venomous and violent debut album 'Devotion Discipline and Denial' on premier American noise label 'Hive Records', meant that ESA had begun to claim it's own territory.
Four studio albums, one remix album and countless collaborations / remixes later, working alongside acts such as Manufactura, Displacer, Iszoloscope, C-drone Defect, Memmaker and many many more, Electronic Substance Abuse had become well respected within the rhythmical noise scene and was demanding serious attention the globe over.
Now based on ‘Tympanik Audio’ based in Chicago, with the last release 'Themes of Carnal Empowerment Pt1’ still receiving critic acclaim and dance floor attention, the sixth installment of the ESA catalogue and follow up to ‘Themes Pt1’ is well under way and looks set to make it's way to the eager public in late 2012 / early 2013.
ESA's sound is always a hard one to pin down. Taking influences initially from European Rhythmical noise acts, the overall structures have developed and integrated countless influences from the broad spectrum of alternative and extreme music. The tone of ESA is harsh and oppressive, dripping with destructive and corroded grooves whilst still emanating sub conscious melodies and a strong sense of Spirituality. ESA's compositions are undoubtedly threatening and offensive floor stomping club tunes but also twist and churn enough to warrant more attentive listening.
On the back of a full 15 date US tour alongside WASTE and Ivardensphere, spanning the entirety of North America, ESA is working hard on Themes Of Carnal Empowerment Pt2 whilst pushing live shows to their sonic brink in one-off European appearances in during Winter 2012 – Spring 2013. . User-contributed text is available under the Creative Commons By-SA License; additional terms may apply.
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Aktuell veröffentlichten Feuerdorn ihr im Frühjahr 2011 produziertes zweites Album "Glut und Asche". Nach der Fertigstellung des Albums trat der Sackpfeifenspieler Meister Pätz bei und ergänzt von nun an das Gesamtbild von Feuerdorn.
Besetzung:
Kraon die Feuerdohle: Sackpfeife; Schalmei; Flöten; Percussion und Feuerspiele
Horda Donnerhall: Davul; Schlagwerk; Cister; Gitarre und Gesang
Der Bedächtige: Sackpfeife; Flöten
Meister Pätz: Sackpfeife . User-contributed text is available under the Creative Commons By-SA License; additional terms may apply.
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Gründung: 2004
Label: Lifeforce Records . User-contributed text is available under the Creative Commons By-SA License; additional terms may apply.
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Released in April 2017 on the Audiotrauma label, ‘Gate’ is the seamless continuation of the radical EP Dawn (2014) and Dawn extended version (2015). ‘Gate’ is more audacious and directed, the 12 tracks are calibrated for the live experience. And if it were necessary to yield to the little game of references to situate this duo, imagine yourself at the center of gravity between Combichrist, Prodigy, early Marilyn Manson and Gesaffelstein. . User-contributed text is available under the Creative Commons By-SA License; additional terms may apply.
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Benestrophe is the group involving Dwayne & Gary Dassing, along with Rich Mendez. Dwayne & Gary Dassing are the two brothers who bring us the revolutionary sound of Mentallo & the Fixer.
James Mendez composes and produces the tracks for Jihad. He was influenced with the electronics & seeing all the work done with the Dassing brothers & his brother's Benestrophe project since it began around 1987-1988. Rich Mendez does lyrics and vocals on Benestophe and Jihad.
James and Rich get into electronic music, as well as accoustic related material at times. Skinny Puppy and all related side projects excite the Mendez brothers very much.
Recently Jihad became known for their song titled, "Hands That Hide", featured on the quadruple CD collection from RAS DVA called, "There Is No Time".
————————————————————————————–
Releases:
A Prayer In The Night (CD, Album) Ras Dva Records 1997
Tracks Appear On:
There Is No Time (4xCD) Hands That Hide (Exclu… Ras Dva Records 1995
Dora Blue – The Ras Dva Fanbase Compilation (CD) Flying Dutchman, Hands… Ras Dva Records 1996
Awake The Machines – On The Line Vol. 2 (2xCD) People Of The Land Out Of Line, Out Of Line, Sub/Mission Records 1997
. User-contributed text is available under the Creative Commons By-SA License; additional terms may apply.
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Die Grundsteinlegung des KONTRAST-Gemäuers erfolgte allerdings schon 1992 durch Dirk (Kompositionen) und Roberto (Texte, Gesang), ehe 1995 Falko (Klänge, Abmischung) und 2001 Lexi (Produktion) in die gemeinsame Festung Einzug hielten. Mit «Tod … find' ich gut!» (1998), «Der Formulator» (2002) und «Nr. 1 in der Hölle» (2004) legten die «elektrischen Vier» weitere Tanzflächenfüller aufs Parkett und festigten eindrucksvoll ihren Ruf als «Scharfrichter des schwarzen Humors».
Dass KONTRAST jedoch nicht nur bissig, sondern auch gefühlvoll können, weiß man spätestens seit 1999: «Freiheit?», aufgenommen gemeinsam mit Gastsängerin Ivi (Spiritual Cramp), ist ein ergreifendes Abschiedsduett, das folgerichtig zum Midtempo-Hit in zahlreichen Clubs avancierte. Der entwaffnend ehrliche, tiefe Blick in gescheiterte Beziehungen zeichnet auch die Powerballade «Eisberg» (2004) und das Titelstück der MCD «Versprochen?» (2003, mit Gastsängerin Nebelgeist) aus.
Seit dem Erfolg von «Einheitsschritt» bereist die «elektronische Tanzkapelle» KONTRAST auch regelmäßig die Konzertbühnen der Republik: Bei seinen inzwischen weit über 50 Auftritten begeisterte das Quartett schon als Anheizer für u.a. Funker Vogt, Clan Of Xymox, Joachim Witt, die Untoten, die Crüxshadows und Kirlian Camera. Ihre liebevoll gestaltete Bühnenshow und die Entertainer-Qualitäten von Frontmann Roberto überzeugten gar die Düster-Romantiker von Illuminate: Anlässlich der Veröffentlichung des KONTRAST-Albums «Industrie<>Romantik» nahmen sie gerne die Einladung an, eine ganze Tournee als deren Nachgruppe zu bestreiten.
Natürlich pflegen KONTRAST auch in der konzertfreien Zeit intensiven Kontakt zur Außenwelt: Auf ihrer Homepage www.einheitsschritt.de stellen sie jeden Monat eine Rarität aus ihrem Klangarchiv in voller Länge kostenlos zum legalen Download zur Verfügung. Ein humorvolles Weblog, ein häufig besuchter Konsumtempel und ein eigenes Online-Musikmagazin runden die detailverliebte Internetpräsenz elegant ab. Eilige Neuigkeiten werden zudem regelmäßig via Newsmail an die Fans verschickt.
In der winterlichen Abgeschiedenheit eines Nordsee-Feriendorfes entstanden die Kompositionen für das neue, dritte KONTRAST-Album "Vision und Tradition", denen Dirk, Roberto, Falko und Lexi im Rahmen zahlreicher Sessions in verschiedenen Studios ihren finalen Schliff verpassten und das am 24.10.2008 auf dem renommierten Label Danse Macabre Records (Vertrieb: AL!VE) erschienen ist. . User-contributed text is available under the Creative Commons By-SA License; additional terms may apply.
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Mit dem vierten 2001 veröffentlichten Studioalbum Burning: A Wish vollzog die Band eine nachhaltige Stilveränderung hin zum Dark Rock. Das album wurde international positiv aufgenommen und konnte die mit Memorandum aufgebaute Popularität ausbauen. Mit dem 2002 nachfolgenden Fall, I Will Follow knüpften Lacrimas Profundere an dem Erfolg an und das Album konnte sich international in Musikmagazinen als Album des Monats platzieren. Es folgten Auftritte mit Paradise Lost und Amorphis. Die aufgebaute Popularität führte mitunter dazu, dass die Gruppe zu dem 2004 veröffentlichten Album Ave End ein erstes Musikvideo zum Titelstück aufnahm. Das Video wurde im deutschen Musikfernsehen, insbesondere auf VIVA in die Rotation aufgenommen.
Das zwei Jahre nach Ave End veröffentlichte Filthy Notes for Frozen Hearts stieg als erstes Album der Gruppe in die deutschen Albumcharts ein. Einige der darauf folgenden Alben bauten diesen Erfolg noch weiter aus. Filthy Notes for Frozen Hearts erreichte Platz 82, Songs for the Last View Platz 73 und Hope is Here Platz 30. Mit Hope is Here vollzogen Lacrimas Profundere einen Labelwechsel zu SPV. Indes wurden die Veröffentlichungen seit Filthy Notes for Frozen Hearts wechselhaft beurteilt. Kritische Stimmen bezeichnen die Veröffentlichungen als Abwechslungsarm, lobende Rezensionen betiteln die Ausrichtung hingegen einen gefunden Stil. Durchgehend positive Rezeption wie zu den vorausgegangenen Alben erfuhr die Gruppe allerdings kaum mehr. Die Popularität der Band blieb dennoch bestehen. So trat die Band mittlerweile in 29 Ländern, insbesondere in Asien, Südamerika und Europa sowie auf unterschiedlichen Metal- und Schwarze-Szene-Festivals auf. Ende Mai gab Nikolas Schmid bekannt, dass Sänger Roberto Vitacca die Band verlassen habe. Der Auftritt auf dem M'era Luna Festival 2018 war der letzte Auftritt von Vitacca, der während des Konzerts an seinen Nachfolger, Julian Larre, übergab.
Des Weiteren verließen auch der langjährige Lead Gitarrist Tony Berger, sowie die Rhythmus-Crew, bestehen aus den Zwillingen Clemens (Bass) und Christoph (Schlagzeug) Schepperle, die Band noch am selben Tag.
Diskografie
…And the Wings Embraced Us (1995)
La Naissance d'un Rêve (1997)
Memorandum (1999)
Burning: A Wish (2001)
Fall, I Will Follow (2002)
Ave End (2004)
Filthy Notes for Frozen Hearts (2006)
Songs for the Last View (2008)
The Grandiose Nowhere (2010)
Antiadore (2013)
Hope Is Here (2016) . User-contributed text is available under the Creative Commons By-SA License; additional terms may apply.
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Bandgeschichte
1990 erschien das erste Demotape „Clamor“ (lat. „Geschrei“). Da Tilo Wolff damit jedoch keine Plattenfirma überzeugen konnte, gründete er mit Hall of Sermon sein eigenes Plattenlabel und nahm die erste LP „Angst“ auf.
Seit 1994 gehört auch die Finnin Anne Nurmi, die bei der finnischen Gothic-Rock-Band Two Witches als Keyboarderin und Sängerin zu den Gründungsmitgliedern zählte, als festes Mitglied zu dem ehemaligen Soloprojekt Lacrimosa, und ergänzt es seitdem auch mit eigenen Liedern in finnischer und englischer Sprache.
Lacrimosas größter Charterfolg war die Single „Stolzes Herz“, die Platz 9 der deutschsprachigen Singlecharts erreichte. Auch das 1999er Album „Elodia“ war in den Top Ten der Alben. Lacrimosa gaben ausverkaufte Tourneen in Europa, Mittel- und Süd-Amerika.
Zur selben Zeit arbeitet Tilo Wolff mit der Thrash-Metal-Band Kreator zusammen und steuert den Gesang für das Lied „Endorama“ bei.
Mit ihrer Single „Der Morgen danach“ war Lacrimosa vier Wochen lang in den offiziellen Singlecharts in Deutschland, die höchste Platzierung betrug 51.
Name
Der Name leitet sich von der letzten Strophe der christlich-liturgischen Sequenz Dies irae aus dem 12. Jahrhundert ab, einem Bestandteil des Requiems. Dort heißt es: „Lacrimosa dies illa“, zu deutsch: „Tränenreich ist jener Tag“ (lat. lacrima, „Träne“; lacrimosus, „tränenreich“). Die bekannteste Vertonung dieses Textes findet man in Mozarts letztem Werk, dem Requiem KV 626.
Musikstil
Clamor war das erste Demo Tape von Lacrimosa welches ursprünglich mehrere Titel aufwies, jedoch konnte aus Mangel an finanziellen Mitteln nur relativ kurze Tapes gekauft werden. Auf dem Tape, von dem 100 Stück produziert wurden, befinden sich lediglich 2 Titel.
Im Debütalbum "Angst" sind minimalistische elektronische Klänge das bevorzugte Gestaltungsmittel von Tilo Wolff. Auch die Nachfolgealben „Einsamkeit“ und „Satura“ sind derartige Elemente noch vereinzelt zu erkennen (z. B. in „Tränen der Sehnsucht“, Part I und II).
Ab dem vierten Album „Inferno“ ist Anne Nurmi bei Lacrimosa dabei. Seitdem entwickelte sich der Stil beständig. „Inferno“ enthält, wie schon sein Vorgänger „Satura“, rockige und metal-lastige E-Gitarrenstücke, erstmals englischsprachige Texte, aber auch klassische Elemente in der Schlussnummer „Der Kelch des Lebens“. In diesem ca. 14-minütigen Song wirken die Barmbeker Symphoniker mit.
Das nächste Album „Stille“ enthält den Top-10-Titel „Stolzes Herz“, sowie eine etwa viertelstündige, wiederum stark klassikhaltige Nummer mit dem Titel „Die Straße der Zeit“. Dieser Song beinhaltet ausgedehnte Chorpassagen, instrumentale Zwischenspiele und ein längeres Gitarrensolo.
„Elodia“ gehört zu den erfolgreichsten Alben von Lacrimosa. Es wurde mit dem London Symphony Orchestra aufgenommen. Der erste Titel – „Am Ende der Stille“ – zitiert ein Motiv aus dem Schlusstitel des Vorgängeralbums. Durch diesen Kunstgriff erreicht Tilo Wolff beinahe eine zyklische Verknüpfung der Alben. Der Sanctus verwendet den vollständigen Text aus dem liturgischen Ordinarium Missae, welcher vom Chor vorgetragen wird. Hier verschwimmen die Grenzen zwischen Klassik und Metal.
„Fassade“ ist ein Konzeptalbum, das gewissermaßen auf drei Pfeilern ruht. Die beiden Ecknummern „Fassade (1. bzw. 3. Teil)“ sind musikalisch eng miteinander verwandt. „Fassade (2. Teil)“ bildet im Gegensatz dazu einen Ruhepol in der Mitte des Albums. Erwähnenswert ist auch die Nummer „Stumme Worte“, auf der Tilos Gesang nur vom Klavier und einem Streichquartett begleitet wird.
„Echos“ beginnt mit einem rein klassischen „Kyrie“, wiederum aus dem Ordinarium Missae übernommen, für Chor und Orchester. Sowohl die Stimmen von Tilo und Anne, als auch Gitarren etc. schweigen hier.
In „Lichtgestalt“ vertont Tilo Wollf einen Bibeltext: Das „Hohelied der Liebe“ aus dem 1. Brief des Paulus an die Korinther. Hier sind Chor und Orchester wieder sehr präsent.
Tilos Stimme schwankt zwischen anklagend-verzweifeltem bis hin zu fanatisch-schreiendem Ton. Sie wird unterstützt von Annes Stimme und den Chören.
www.lacrimosa.ch . User-contributed text is available under the Creative Commons By-SA License; additional terms may apply.
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Die Band Letzte Instanz formierte sich 1996 in Dresden. Hervorgegangen aus der Dresdener Band "Resistance" gründeten Hörbi, Tin Whistle, Muttis Stolz, Kaspar Wichman, Holly D. und Markus G-Punkt die Band. Ein Jahr später kam noch Benni Cellini zur Band, erst als Gastmusiker, wenig später als festes Bandmitglied.
Biografie
Mit fünf selbst im Dresdener Ardenne Ton-Studio aufgenommenen Titeln, bemühte sich die Band noch unter dem Namen „Resistance“ um einen Plattenvertrag, der 1996 mit dem Label Costbar zustande kam. Auf dem ersten Album sind diese Aufnahmen enthalten. Zeitnah mit dem Zustandekommen des ersten Plattenvertrags erfolgte die Umbenennung in „Letzte Instanz“, um sich von gleichnamigen Bands abzugrenzen.
Noch bevor die Gruppe die zweiten Platte Das Spiel veröffentlichte, verließen Hörbi und Kaspar die Band. Ersatzmänner sind Sebastian Lohse unter dem Pseudonym Robin Sohn am Mikrofon und Rasta F. am Bass. Im Januar 2002 coverte Letzte Instanz das Lied „Vision Thing“ von The Sisters Of Mercy, das auf dem Tribute-Album Thankyou Sisters of Mercy veröffentlicht wird.
Nach einigen Touren ging die, mit M. Stolz, Robin, Benni Cellini, F.X., Holly D., Specki T.D., Tin und Oli, inzwischen auf 8 Mitglieder angewachsene Band ihre 4. Platte an. Götter Auf Abruf erschien im September 2003 und schaffte den Sprung in die Deutschen Albumcharts. Eine Live-DVD und eine Live-CD wurden für das Frühjahr 2004 angekündigt, erschienen schließlich aber erst Ende September.
Nach der Tour für das neue Album verließen Ende März 2004 überraschend Robin (Gesang), Tin (Gitarre) und FX (Bass) die Band. Etwa zeitgleich halfen die beiden Streicher der Letzten Instanz (M. Stolz und Benni Cellini) der neu gegründeten Band Angelzoom bei 4 Liedern für ihr erstes Album Angelzoom und der Singleauskopplung Fairyland. Zudem begleiteten die beiden Angelzoom auch live auf der "Tiefenrausch Tour 2005".
Im Dezember 2004 trat Michael Ende der Band als Bassist bei und im Februar 2005 war mit Holly auch ein neuer Sänger für die Letzte Instanz gefunden. Anfang Juni 2005 fanden die ersten Auftritte in neuer Besetzung statt. Nach gelungener „Bewährungsprobe“ auf verschiedenen Festivals im Sommer 2005 ging die Instanz Ende September wieder ins Tonstudio, um das für 2006 geplante Album Ins Licht aufzunehmen.
Am 3. Februar 2006 wurde Ins Licht veröffentlicht und eine Woche später folgte der Sprung auf Platz 53 der Deutschen Media-Control-Charts. Für den Song „Das Stimmlein“ auf Ins Licht hatte sich die Letzte Instanz Eric Fish (Subway To Sally), Sven Friedrich (Zeraphine) und Thomas Lindner (Schandmaul) als Gastsänger ins Studio geholt.
Am 23. März 2007 erschien das sechste Werk der Band unter dem Titel "Wir sind Gold" – eine Platte, die Gitarrist Holly D. als "harmonischstes Werk" beschreibt. Zum einen, weil Sänger Holly endlich voll und ganz zur Letzten Instanz gezählt werden darf, zum anderen, weil die Band dieses Mal so nah am Aufnahmeprozess dran war, wie sonst nicht: Die meisten Stücke wurden während der "Ins Licht"-Tour im Tourbus geschrieben, "wo man dann teilweise auch mal bis 3 Uhr nachts zusammensaß und musizierte". Die Single "Wir sind allein" ist eine Coverversion des Inchtabokatables-Songs "You chained me up".
Stil
Nach ihrer ersten Platte Brachialromantik, die sich noch stark an dem Mittelalter-Rock von Bands wie Subway To Sally oder In Extremo orientierte, wurden sie dieser Stilrichtung zugeschrieben.
Der Sound der nächsten CD hat sich im Vergleich zum Erstlingswerk stark verändert: Die Streicher wandern ein wenig in den Hintergrund und der Schwerpunkt geht ein wenig hin zu den üblichen Band-Instrumenten, aber auch einige elektronische Spielereien wurden eingebaut. Auch das Verwenden von Rap in einigen Liedern zeigt ihre Loslösung von der Mittelalter-Rock-Szene. Auf der CD findet man die erste Coverversion der Band, sie nahmen „Love is a Shield“ von Camouflage auf.
Mit dem dritten Album Kalter Glanz zeigen sich Letzte Instanz wieder mit neuem Sound: Die Streicherpassagen traten weiter in den Hintergrund. Anleihen beim Folk, als auch Gitarrenriffs, die für den Nu Metal typisch sind, verschmelzen auf dieser Platte. Außerdem holte sich die Band die Unterstützung zweier bekannter Sänger: Marta Jandová von Die Happy und Sven Friedrich von der inzwischen aufgelösten Band Dreadful Shadows unterstützen das Septett bei drei Liedern. . User-contributed text is available under the Creative Commons By-SA License; additional terms may apply.
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Genre: Dance/Electronic
Alben: Queerbody, NON, Queerbody (Remixes), Raveland . User-contributed text is available under the Creative Commons By-SA License; additional terms may apply.
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Founded by Alen Zarifovic and Olja Frolo, Loell Duinn began to perform as a duo consisting in two vocals, classical and acoustic guitars. Soon enough we were hosting different musicians, excellent in their performance, but unprepared for this kind of musical journey.
Journey through time and new experiences continues with joining of two new members: experienced and talented musicians and extraordinary persons Goran Brezac and Patrik Šcira with whom Loell Duinn becomes a full and stable project and performs at the world's biggest alternative music festival "Wave Gothik Treffen" (Leipzig, Germany, 2010.)
Looking for acoustic nuances in the sound, the band welcomes a quality musician, flutist Ivona Kiršic and with this line up Loell Duinn performs at the biggest Eastern European alternative music festival "Dark bombastic Evening" (Alba Iulia, Romania, 2011.) and releases its first album "Retrospective 2003 -2008 " for OSA MEDIA (Labin, Istria, Croatia) and distributes it internationally by German distributor QUARTIER 23.
The sound and the potential of the group is enriched with two new members: Marino Matošic and Saša Boškovic with whom Loell Duinn becomes a "rich" septet and, as such, continues to perform at many concert venues like Europe's biggest Medieval-Fantasy Fest "CastleFest" (Lisse, Netherlands, 2012.).
Until now we have composed some fusion of Arabic, Spanish, Balkan and local sounds using different languages, such as English, Croatian, Swedish, local dialects and invented languages.
All the songs are composed as vocal-instrument parts that are tending to mellow, melancholic melodies connecting ethnic/folk elements with norms of classical music through historical vision of medieval, renaissance and baroque music in a modern performance.
(All of the songs are our copyright works, that is, legally registered songs with the HDS ZAMP.)
About the name Loell Duinn
To describe and to give meaning to this name we must as a first step point out for two things:
1. The name is an invented compound consisting of two words whose roots and etymological meaning will be mentioned later in the text.
2. The name was not originated to become a linguistic tangle but to describe the aspirations of us as individuals and also to give significance to our artistic work.
The word Loell (pronounced lo-ell) as such does not exist in any modern language. We’ve invented it as a symbol of all that is Divine in physical and spiritual world. To “forge it” we made use of the following terms:
LAEL (old Testament name, masculine, with significance “of God” ("belonging to God")) (Num. 3:24)
LAEL (Gaelic- old Welsh name, feminine meaning „little flower of God“
LUELL, LEWELLA (also a Gaelic compound, means „beautiful light“)
We make usage of the word Duinn (pronounced d ˆ inn) as a counterbalance for Loell representing the umbrageous side of the existence (being). It derives from Celtic mythology as:
DONN (mythical figure in Irish literature and folklore, a God whose name means “darkness ” is described as an aloof god, who does not like to keep company with any of the other deities. The deity Donn lives on an island called The House of Donn (Teach Duinn) the place where the souls of the dead assemble to take their journey to the other world)
DUN, DUNN (adjective describing a "dingy brown”, dark colour)
DU, DDU (Welsh adjective for „black“)
Conclusion:
We use this name to describe differentiation and duality that surrounds us in all the methods and principles of life and living, and as such symbolises and describes the beauty of a supreme being whose existence embodies the enchantment of beingness. . User-contributed text is available under the Creative Commons By-SA License; additional terms may apply.
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Lucy isn’t a novice when it comes to the music industry. She has been writing and performing her own material for six years and has in the past had the pleasure to open for international acts such as Linton Kwezi Johnson (LKJ) and Shawn Phillips. Further well-deserved accolades include achieving third place in the 2012 Barleycorn songwriting competition, as well as ranking among the top 12 entries for this year’s Bushmill Band Search. Lucy has also been included in the line-up for the Rolling Stones weekend (14-15 September 2012), showcasing SA’s most promising young artists, and recently numbered among the emerging artists chosen for the Big Issue ‘Young blood, fresh talent’ survey.
Lucy have already played at the Grahamstown National Arts Festival (2012), White Mountain Festival (2012), Rock the River SA (2012/13) and Up The Creek (2013). She also played with The Very Wicked at the following festivals; Rocking the Daisies (2012), Synergy (2012) and RAMfest (2013).
Originally from Johannesburg, Lucy arrived in Cape Town last year after completing her undergraduate degree in Music and her Honours in Drama at Rhodes University in Grahamstown. This inspiring young artist has taken the notoriously hardnosed South African music scene by storm with her fresh take on indie/alternative rock – a sound which is rooted in a rich tapestry of skilful, versatile vocals bolstered by soulful melodies.
The first single off the album “Four White Walls” is currently play-listed on MFM, RSG, UCT Radio, PUK FM, Kovsie FM and Zone Radio to name a few.
Says Lucy of how she came to make music: “I started playing guitar because I wanted to write music. One of the first songs I learnt on the guitar was Joni Mitchell’s ‘A Case of You’. After hearing that song and feeling what it was to play it, I was completely hooked. After setting my heart on music I was constantly reminded (and still am) about how difficult the music industry is. Difficult perhaps, but hopefully not impossible. I want and love it enough to give it (and myself) a fighting chance. I am slowly starting to discover the rules of an industry that ‘has no rules’. It is certainly keeping me on my toes and that is an exciting place to be.”
It is this strong work ethic and drive to succeed that underscores all of Lucy’s endeavours and it set to launch her inimitable sound on the SA music scene.
Lucy also recently released her first music video. Spare, stripped-down and honest, the music video for Lucy Kruger’s sweeping ballad ‘Heart of Stone’ is the perfect visual manifestation of this emerging artist’s sincere approach to her craft. The music video was directed and filmed by Barry De Villiers from Roundabout Films and was purposely kept as stark and simple as possible, because in the end the trick is to allow a strong track like this to speak for itself. . User-contributed text is available under the Creative Commons By-SA License; additional terms may apply.
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Das Demotape und die Single haben schon einige Wellen geschlagen.
Erste Assoziationen sind Blumfeld (ganz frühe) und Fehlfarben (die erste). Manche fühlen sich durch den Gesang auch erinnert an Rio Reiser. Kann man sich bestimmt drüber streiten. Manchmal schimmert durch: die Kolossale Jugend. Aber, wie sagt man: hinten hat der Fuchs die Eier. Messer sind spröde, klirrig, rätselhaft, versplittert. Trotzdem rollt die Platte ungemein. Die Beats sind zackig, der Bass treibt kompromisslos die Herde vor sich her. Melodisch, aber vor allem tight. Die Gitarre scheint sich aber immer wieder höhnisch zu entziehen, in luftige Delay- und Geräusch-Wabereien. Und da merkt man, dass das andere Standbein Messers ganz woanders, nun ja, steht, als „nur“ im (deutschen) Post-Punk der 80er/90er: Neu! oder Can findet man hier genauso. . User-contributed text is available under the Creative Commons By-SA License; additional terms may apply.
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Man hat sich gesundgeschrumpft, sich von alten Fesseln befreit, den Neuanfang gewagt. Wie selten eine Band vermögen es die Metallspürhunde, gesellschaftliche Probleme zu spiegeln, sich und den Hörer in der Reflektion zu befreien und sei es auch nur für die Spielzeit ihrer Alben. Denkanstösse, die unser Leben begleiten, vielleicht in der Summe sogar zum Guten zu verändern mögen – Die Schweizer bieten den mehr als kurzweiligen Zündstoff zur Bestandsaufnahme der eigenen Gratwanderung am Abgrund, dem Moloch, der in den Metropolen, im Alltag, in der Arbeit, in der Seele an uns zerrt und lauernd den Moment abpasst, in dem wir den Halt verlieren. Der Moloch der Metallspürhunde ist ein lebendes Wesen, das sich aus unseren verdrängten und unterdrückten Gefühlen speist und in sterblichen Momenten seinen alles verzehrenden Schlund öffnet.
Veröffentlichungen
* Metallspürhunde (1999)
* Preview2 (2001)
* Blut & Spiele (2003)
* Amokmensch (2006)
* Was hat dich bloss so ruiniert EP (2007)
* Die letzte grosse Fahrt EP (2009)
* Böse Wetter (2009)
* Böse Wetter "Fan Edition" (2009)
* Moloch (2011)
* Moloch Limited Edition (2011)
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Seit 2011 steht Nachtblut, mit Napalm Records, ein starker Verbündeter zur Seite. So veröffentlichte man erfolgreich die Alben „Antik“ und „Dogma“ unter dem Banner der österreichischen Metal-Label Institution und brach damit nicht nur musikalische Genre-Grenzen, sondern verbreitete die kritischen Botschaften Nachtbluts in der ganzen Welt. . User-contributed text is available under the Creative Commons By-SA License; additional terms may apply.
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Kurioserweise erschien das erste Album der Band Splitterelastisch, unter dem Label Dead Centre Records bereits 2005 in den USA, nicht jedoch in Deutschland, wo die Gruppe kein Label besaß. Zu bekommen war das Album hier also nur über Versandhäuser und Läden, die die Scheibe importieren, oder direkt beim Label. Eine offizielle Veröffentlichung des Albums in Europa wurde aber weiterhin angestrebt. Ende September 2007 erschien das Album schließlich offiziell in Europa, unter dem Label Alice In…/Broken Silence. Das Album wurde dabei mit einem komplett neuen Artwork und Booklet versehen.
Die Gruppe bespielte auch die großen Festivals der Schwarzen Szene, wie das Wave-Gotik-Treffen in Leipzig (2004/2008) oder das Bats Over Milan-Festival in Mailand (2007).
Anfang 2010 hat sich Dennies (Gitarre) entschieden, New Days Delay zu verlassen und verfolgt jetzt andere Projekte wie sein Soloprojekt Leaves in Silence. Seit dem 22. Januar 2010 hat Chris die Position als Leadgitarrist übernommen.
Am 27.06.2014 wird das lang erwartete zweite Album der Band erscheinen – es trägt den Namen "Erst der Blitz und dann".
Diskografie:
* 2000: Plastic Faces (EP)
* 2002: I survived New Days Delay (EP)
* 2005: Splitterelastisch (USA, Dead Centre Records)
* 2007: Splitterelastisch (Europa, Alice In…/Broken Silence) . User-contributed text is available under the Creative Commons By-SA License; additional terms may apply.
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WEBSITE: www.noisuf-x.com
FACEBOOK: www.facebook.com/noisufxofficial
MERCHANDISE: www.x-beats.de
X-FUSION MUSIC PRODUCTION:
www.x-m-p.de [mixing|mastering|production]
other projects:
X-FUSION: www.x-fusion.com
STOPPENBERG: www.stoppenberg.net
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1. Ein hardcore DJ und Produzent aus den Niederlanden.
2. Eine englische Gothic Rock band, gegründet 1988.
3. Eine deutsche Progressive Rock Band, die 1968 gegründet wurde.
4. Eine Kolumbianische Black Metal Band, die 1993 gegründet wurde.
5. Eine schwedische Death Metal Band, die zwischen 1989 und 1991 bestand.
1. DJ Nosferatu oder eigentlch Erwin van Kan
auch bekannt als
* Nosferatu
* DJ Mystic
* Endorphin
* Myztic
Sein erstes Album was 1994 erschien hies "No God To Us!"
Seit dem wechselte er stetig das Plattenlabel
Van Kan begann seine Karriere in jungen Jahren. Ein markantes Merkmal war, dass er als Kind wild auf das Klavier einprügelte und seinen Kopf mit Absicht auf den Tisch schlug, was ihm eine Narbe über der Augenbraue einbrachte.
Um 1993 begann van Kan mit der ersten musikalischen Produktion. Dabei benutzte er einen Kasettenrekorder und einen selbstgebauten Plattenpräger, um seine eigenen Langspielplatten zu erstellen. Seine ersten Aufnahmen wurden per „cut and paste“ gemischt. Nach einigen Jahren konnte er sein eigenes Studio bauen. Van Kan kaufte Ausrüstungsgegenstände, so auch einen Sampler und produzierte einige Tracks, die nie offiziell erschienen, sondern nur Freunden vorgespielt wurden.
Van Kan arbeite später in einem Coffeeshop. In dieser Zeit produzierte er ein Demotape für einen Freund, der gute Verbindungen zu einem Plattenlabel hatte. Hier bekam er seiner erste Chance um seine Arbeit zu veröffentlichen. So wurde All That She Wants, bei der Plattenfirma Bünkor Beats-Records veröffentlicht.
Zu dieser Zeit begann er bei verschiedenen kleinen Events als DJ aufzutreten. Einige dieser Festivals waren sogenannte Underground-Veranstaltungen. Van Kan konzentrierte sich auf die größeren Events, unter anderem Veranstaltung der „Squat“-Partei im Zentrum von Den Haag. Zu diesem Festival kamen auch andere DJs, wie der britische DJ Raw Virus, und viele andere. Van Kan trat dort unter seinem Pseudonym DJ Mystic auf und legte über sieben Stunden Nonstop auf.
Nach mehreren Jahren als DJ und dann als Produzent, kaufte er sich ein neues Equipment, mit der er neue Demobänder anfertigte. Auf einer Veranstaltung auf der DJ Ruffneck auftrat, übergab ihm van Kan ein solches Demo, durch das ein Vertrag beim Plattenlabel Cardiac Music bv. zustande kam. Dabei wurden wesentliche Teile ausgehandelt, wie die späteren Veröffentlichungen Inspiration Vibes und Dangerous Battle.
Heute steht van Kan bei Enzyme Records unter Vertrag.
5. Nosferatu (Schweden)
Nosferatu wurde 1989 in Strömstad, Schweden gegründet. Sie veröffentlichten 1990 zwei Demos: "REH 90.03.06" und "Decadence Remains".
2012 erschien die Compilation "In Remembrance", welche beide Demos beinhaltet bei To the Death Records.
Drummer Mattias Johansson alias Mäbe war Teil des Dissection-Band-Geflechts. Er spielte bei den Bands Siren's Yell und Rabbit's Carrot aus denen Dissection hervorging, bei welchen er dann zeitweise als Session-Mitglied aushalf. Darüberhinaus war er Mitglied von Nifelheim, Deathstars und Ophthalamia.
Jon Nödtveidt zeichnete das Bandlogo. . User-contributed text is available under the Creative Commons By-SA License; additional terms may apply.
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electro-industrialindustrialindustrial rockdark electroebm
Nero Bellum and Tim Skold together conceptualize and put forth NOT MY GOD.
The combination congeals into a neo-futuristic drive of proto nihilism by way of once obsolete machinery laying foundations to melodic and thoughtfully aggressive vocal stylings.
A visceral voice gleaming above raw, modular synthesis, driving analogue beats and chilling cinematic ambience fused with singing as heartfelt as the stories sung, soaring to a new level of art. . User-contributed text is available under the Creative Commons By-SA License; additional terms may apply.
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Gegründet wurde sie im Jahr 2000.
Stilistisch ist sie am ehesten dem Aggrotech nahe, bindet aber auch verschiedene Elemente wie z.B. des Black Metal und Industrial Metal ein.
Mitglieder von Psyclon Nine sind Nero Bellum, Abbey Nex, Rotny Ford, Jon Siren und Vlixx.
Eine Zeit lang war die Band des Nazismus angeklagt, vermutlich besonders aufgrund ihres Bandnamens. Diesen Gedanken wehrte die Band jedoch in einer öffentlichen Erklärung strikt ab und distanzierte sich von möglichen Hörern dieser Ideologie.
Bisher haben sie die Scheiben "Divine Infekt" (2003), "INRI" (2005), "Crwn Thy Frnicatr" (2006) und "We the Fallen" (2009) veröffentlich. Ihre neueste Erscheinung aus dem Jahr 2013 trägt den Titel " Order of the Shadow´: Act I"
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Zwischen 2011-2012 sind 6 Demos entstanden, 2014 die erste digitale EP.
Alle Songs können KOSTENLOS heruntergeladen werden, solange sie nur zur privaten Nutzung verwendet werden.
Internet-Präsenz:
http://reichsfeind.blogspot.de/
https://www.facebook.com/Reichsfeind
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Bandgeschichte
1988 schrieb Eddie Bengtsson mehrere Lieder, die er zusammen mit Alexander Hofman als Sänger bei einer Geburtstagsfeier von Finn Albertsson spielte. Die drei Männer nannten die Band Mr. Spock, benannt nach dem aus dem Star Trek-Universum stammenden Mr. Spock. Nach der Geburtstagsfeier spielte die Gruppe auf einer Reihe von weiteren Hausfeiern und schafften es so bald professionale Engagements zu erhalten. Als Paramount Pictures 1989 eine Entschädigungszahlung für die Nutzung des Namens Mr. Spock verlangte, nannte sich die Gruppe in Star Pilot on Channel K, abgekürzt S.P.O.C.K um. Der kommerzielle Erfolg der Band begann 1990 als sie ihre erste Single Silicon Dreams beim schwedischen Plattenlabel Accelerating Blue Fish veröffentlichte. Auf der Bühne erschienen die Gruppenmitglieder als Sci-Fi-artige Personen, Eddie Bengtsson als "Eddie B. Kirk", Alexander Hofman als "Android" und Finn Albertsson als "Cybernoid". . User-contributed text is available under the Creative Commons By-SA License; additional terms may apply.
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Mit musikalischen Mitteln und interessanten Kollaborationen.
Sänger und Kopf der Band ist der in Bayern geborene Timur Karakus, welcher türkische Wurzeln hat und entsprechend auch orientalische Klänge in seinen Sound einarbeitet. "Die auf den ersten Blick so gegensätzlich wirkenden Musik-Spielarten passen viel besser zusammen, als man auf Anhieb denken mag”, erklärt er. Dass dies auch andere so sehen, beweist u.a. die Tatsache, dass SCHÖNGEIST 2010 die Deutsche Musikförderung der Initiative Musik der Bundesregierung erhalten haben. SCHÖNGEIST singen übrigens wie immer komplett auf Deutsch und widmen sich auf ihrem zweiten Longplayer "Keine Zeit" (VÖ: "25.02.2011) dem gestressten, aber doch irgendwie einsamen Umherirren der meisten Menschen durch die moderne Gesellschaft.
Als Gast-Songwriter für einige Titel konnte er zudem EISBRECHER-Frontmann Alexx Wesselsky gewinnen.
Das neue Album ist härter, kritischer und kompromissloser geworden. Sowohl was die Inhalte als auch die Qualität und Griffigkeit der Produktion angeht. "Keine Zeit" braucht in deutschen Landen keinen Vergleich auf höchstem Niveau zu scheuen. SCHÖNGEIST sind musikalischer und bandbreitiger geworden als jemals zuvor.
Mit der Club-Single „Sonne der Nacht“ bleiben SCHÖNGEIST ihren ursprünglich gitarrenlastig/elektronisch/mystischen Wurzeln treu, ohne den nötigen Pop Appeal zu vernachlässigen. Mit diesem intensiven und durchdringenden Club-Titel senden SCHÖNGEIST dem tanzenden Publikum eine eindeutige Botschaft.
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Links:
www.she-owl.com
www.sheowl.bandcamp.com
https://www.facebook.com/sheowlmusic
Official Video:
http://www.youtube.com/watch?v=CcXFbJcA5hk
oder bei Intro.de: http://www.intro.de/popmusik/musikvideos-der-woche-mit-the-afghan-whigs-grouper-u-v-m
Over the Bones live bei den “Hamburger Küchensessions”:
http://youtu.be/sRQRkVrXkWY . User-contributed text is available under the Creative Commons By-SA License; additional terms may apply.
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Vor seiner Musikkarriere arbeitete Tim bei Volvo und war in der schwedischen Armee. 1980 gründete er mit drei weiteren Mitgliedern die Glam-Metal-Band Kingpin und veröffentlichte mit ihr sein erstes Album. 1989 wurde der Name Kingpin in Shotgun Messiah geändert.
Nach seinem Soloalbum Skold (1996) spielte er zunächst in der Industrial-Rock-Band KMFDM. Nach der zeitweiligen Auflösung von KMFDM setzte Tim Skold seine Arbeit mit Sascha Konietzko und Lucia Cifarelli als MDFMK fort. 2002 nahm er den Platz als Bassist und Co-Produzent bei Marilyn Manson ein, nachdem der langjährige Manson-Bassist Twiggy Ramirez die Band aufgrund anderer künstlerischer Ziele verließ. Nach dem Ausscheiden von John 5 im Jahr 2004 übernahm Skold auch den Gitarrenpart bei Manson. Nach der Rückkehr von Ramirez im Januar 2008 trennte sich Manson von Tim Skold.
Marilyn Manson
* Eat Me, Drink Me (Album) (2007)
* This Is Halloween (Single) (The Nightmare Before Christmas Soundtrack) (2006)
* Lest we Forget (Best-of Album von Marilyn Manson) (2004)
* Personal Jesus (Single + Musikvideo) (2004)
* The Golden Age of Grotesque (Album) (2003)
* Tainted Love (Single + Musikvideo) (2002)
MDFMK
* MDFMK (2000)
KMFDM
* Attak (2002)
* Adios (1999)
* Symbols (1997)
Skold vs KMFDM
*Skold vs KMFDM (2009)
Soloalben
* Skold (1996)
* Neverland (1996)
* Anomie (2011)
Shotgun Messiah
* Violent New Breed (1993)
* I Want More (1992)
* Second Coming (1991)
* Shotgun Messiah (1989)
Kingpin
* Welcome To Bob City (1988)
* Shout It Out (1987)
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Bandgeschichte
David A. Line war einige Zeit mit seinem Freund Demian im Berliner Gothic-Club Geschlossene Anstalt als DJ tätig. Die vorgefertigten Sampler langweilten sie, also riefen sie etwa 1997 SOKO Friedhof ins Leben, um ihre eigene Clubmusik zu kreieren. Erste David A. Line Elextro-Experiments wurde in den Projekten Engelwerk (Vorgänger von Soko Friedhof) und Candy’s trash till death' (Vorgänger von Paloma im Blute) gestartet. Grabschönheiten, die erste CD, wurde mithilfe eines Drumcomputers und diverser Filmsamples erstellt und 1999 ihrem Magazin Das Maul beigelegt. 2001, etwas mehr als ein Jahr nach Grabschönheiten, wurde das Album Im Beichtstuhl der Begierde veröffentlicht.
Im Sommer des Jahres 2001 beging ein Satanistenpaar aus Witten, das einen Soko Friedhof-Aufkleber auf ihrem Auto hatte, einen Ritualmord, wodurch die Band in den Medien als mitschuldig für jenen galt. Unter anderem als Reaktion darauf entstand 2002 das Album Die Geschichte eines Werwolfs, in dem sowohl die Frage, ob Kunst für die Taten, die ihre Bewunderer vollbringen, verantwortlich zu machen ist als auch David A. Lines Lieblingsbuch Berlin Alexanderplatz verarbeitet werden.
Darauffolgend wurde die Splitveröffentlichung Untoten vs. Soko Friedhof produziert, welche die Zwischenzeit bis zum nächsten Album füllen sollte, da David A. Line zu dem Zeitpunkt mit seinem Untoten-Projekt Grabsteinland beschäftigt war.
Die 2004 veröffentlichte CD Blutrünstiges Mädchen war mit diversen Club-Hits, beispielsweise Blutrünstiges Mädchen und Blutsauger (Und du kommst…), die bisher erfolgreichste Platte. Aufgrund des erreichten Beliebtheitsgrades hielt es David 2005 ebenfalls für angemessen, ein Best Of herauszubringen.
2006 entstand schließlich das Album Jesussaft. Am 7. Dezember 2007 erschien das neue Album Klingeltöne Satans. . User-contributed text is available under the Creative Commons By-SA License; additional terms may apply.
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zusammen mit u.a. Doro, In Extremo und Saltatio Mortis gerockt: Das ist STAHLMANN. 2010 wurden Drummer O-Lee (Ex-Die Schröders) und Basser Dirk (Ex-Engelhai) als neue treibende Beat-Fraktion ins Boot geholt. Erste Festivals und Konzerte der von Zillo präsentierten Tour werden
bereits gespielt und die Veröffentlichung des
ersten Longplayers steht noch für dieses Jahr auf
der Agenda. Mit ihrem Debutalbum werden die Göttinger genau da anknüpfen, wo sie mit "Herzschlag" aufgehört haben: Gnadenlos harter Industrial mit Metal- und Gothic-Einflüssen, melodiöser Gesang, der die dunklen Pfade des Lebens beschreibt und eine stählerne Gitarrenwand, deren brachialer Sound ihresgleichen sucht.
Und: Wer STAHLMANN schon einmal live erlebt
hat, der weiß, daß dies auf der Bühne noch eine
Steigerung erfährt – die silbernen Gesichter der
fünf Männer spiegeln den stahlharten Klang der
Instrumente und Marts tiefer Stimme in einer
einzigartigen Performance wider! . User-contributed text is available under the Creative Commons By-SA License; additional terms may apply.
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Politisches (in „Machtmenschen“)
„Wer vom Machtrausch betört statt zu führen nur verführt und die Wahrheit ignoriert.
Während vor verschlossnen Toren das Leben stirbt und friert,
der braucht sich auch nicht wundern, wenn das Böse ihn erhört.
Und Ihr habt nichts, was mir gehört, habt keine Macht, die mich zerstört!“
Romantisches (in „Energie“)
„Wenn wir im selben Wasser sind, erzeugt das Wogen bis hin zum Firmament,
wenn unsre Lippen sich berühr´n, verkünden Blitze den elektrischen Moment.
Wenn wir uns unsrer Lust hingeben, sieht man, dass der Himmel brennt.
Wir erzeugen Energie… Elektrisierend wie noch nie… Die perfekte Synergie…“
und Frivoles (in „Du bist so schmutzig“)
„Du machst mich immer wieder stutzig: du bist so zart und doch so schmutzig.
In der Welt, die Dich umgibt, da muss kein Mann sein, der Dich liebt.
Es muss ein Mensch sein, der Dir heut Nacht die langen Stiefel leckt.
Du bist ein eingeölter Traum und du gehst direkt ins Herz….wie kalter Stahl!“
Malte folgt strikt den Regeln: „Was mir gefällt ist auch erlaubt“. Er bedient sich nach Belieben der unterschiedlichsten Elemente aus der großen Vielfalt an elektronischen Musikstilen. Hieraus erschafft er als Superikone seinen ganz eigenständigen Sound, der unter seiner prägnanten Stimme zu einer Mischung aus Elektropop, NDW und Dark Wave verschmilzt, ohne sich dabei an Genres anzubiedern.
Auch auf dem neuen Album „Energie“ wird dieser Weg konsequent weiterverfolgt und weiterentwickelt.
Superikone:
Der Traum der 80´er im Sound der 90´er trifft auf Fragen des 21. Jahrhunderts!
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Die Band erfreut sich weltweit großer Beliebtheit. Sogar in Mexiko werden große Konzerthallen gefüllt. Ihr erstes Album wurde von Jon Caffery produziert, der bereits für Alben der Toten Hosen verantwortlich war.
Vor allem live weiß Tanzwut zu überzeugen: Auf aufwändige Bühnenshows, Outfits und Choreographien wird viel Wert gelegt.
Markenzeichen der Band ist das Mitglied „Teufel“: Er trägt zwar eine Glatze, hat aber an beiden Seiten seines Schädels zwei kleine rot gefärbte Haarbüschel, die er als Teufelshörner aufstellt.
Ihr Titel Eiserne Hochzeit ist eine der inoffiziellen Hymnen des Fußballvereines 1. FC Union Berlin und wird bei Heimspielen häufig im Stadion an der Alten Försterei gespielt.
Stil
Ihre Musik vereint Mittelalterrock mit Anleihen aus elektronischer Musik.
Seit Oktober 2010 gehen Corvus Corax und Tanzwut getrennte Wege . User-contributed text is available under the Creative Commons By-SA License; additional terms may apply.
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Denn unsere Gedanken, positive wie auch negative, haben ihren Ursprung in unserem Gehirn.
Speziell die grauenhaften und quälenden Gedanken, werden gekonnt bei den impulsiven Live-Shows umgesetzt.
Jeder der Terrorfrequenz schon live erleben durfte, wird bestätigen das diese Hellectro-Combo sich gewaltig von anderen Bands abhebt.
Das Zusammenspiel der provokanten Bühnenshow und das charismatische Auftreten der beiden, haben dazu beigetragen, das dieses Zweimann-Projekt mittlerweile für die meisten aus der Szene ein Begriff ist.
Die sächsisch-Fränkischen Exoten verstehen es gekonnt harte, brutale Beats und düstere Klänge mit den vom Frontmann charakteristisch, bestialischen Gesang, in Clubhits zu verwandeln.
Dies führte zu zahlreichen Interaktionen mit Newcomern und bekannten Künstlern wie Agonoize, Eisenfunk, Fabrik-C, um nur einige von diesen zu nennen.
Gegründet wurde Terrorfrequenz im Jahr 2006 als solo Projekt vom Frontmann Elektroarsch.
Im Jahr 2008 wurde in Ortsansässigen Clubs die Bekanntschaft mit Mangler gemacht, dessen weitgreifendes Potenzial schnell zur Zweimann-Formation führte.
Nachdem das Debütalbum „der Schleichende Tod“ im Juni 2008 noch im Hobbydasein erschien, wurde das Zweite Album in der Dunkelheit im Mai 2009 ein prägnantes und unvergessliches Machwerk.
Es folgten etliche Remixe mit Bands aus der ganzen Welt und eine Konzert-Tour quer durch Deutschland bis über die Landesgrenzen hinaus.
Seitdem wächst die Fangemeinde global stetig an.
Die Entwicklung seit den Bekannten Dance Flore Hits wie deine Schläge, Elektroarsch und in der Dunkelheit, schreitet stets voran. Dies wird am neuen Album Spiegelbild das im April 2014 als "Come Back" Album gefeiert wurde besonders deutlich. Qualitativ, musikalisch und Textlich bewegen sich die Hellectro-Freaks von Terrorfrequenz auf dem selben hohen Niveau, wie die großen Namenhaften Bands.
Die lockere und coole Art der zwei Ausnahme-Künstler und deren Begeisterung und intensive Auslebung von harter, elektronischer Musik, wird zukünftig noch etliche Meilensteine der schwarzen Musik ins Leben rufen. Die Wahrscheinlichkeit, dass das bekannte Logo
Vom Gehirn und der Frequenz in Form von Stickern, Postern, T-shirts und Tattoos zu sehen sein wird, ist absolut sicher. . User-contributed text is available under the Creative Commons By-SA License; additional terms may apply.
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https://www.facebook.com/TheDevilAndTheUniverse
http://www.discogs.com/artist/Devil+%26+The+Universe,+The
https://soundcloud.com/the-devil-the-universe . User-contributed text is available under the Creative Commons By-SA License; additional terms may apply.
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Die Band, ende 1977 gegründet, hatte ihren ersten Auftritt im Februar 1978 und spielte Postpunk. Musikalische Einflüsse zu dieser Zeit waren die Velvet Underground, Richard Hell, Blondie und Television.
Im März 1978 gewannen sie einen Punk-Wettbewerb, und natürlich gewannen sie den ersten Preis. Es wurde geplant, ein einziges Label “Romantik“ ("Danger Zone record" / "Hole in Your Mind") mit lokalen Punk / New Wave zu gründen, wurde aber nie umgesetzt.
Mitte 1978 verließ Hanrez und Franckson der Band. Bis Ende 1978 haben The Passengers, die nunmehr durch Magazine und XTC beeinflusst, verlagerte sich ein neues Line-up inklusive Den Tandt an den Keyboards. Mitte 1979 wechselte die Band Ihren Namen, um The Names zu werden.
Michel Sordinia (Bass, Gesang)
Isabelle Hanrez (Gesang)
Marc Deprez (Gitarre)
Robert Franckson (Gitarre)
Christophe Den Tandt (Schlagzeug, Keyboards)
———————–
The Names were a Post-Punk band from Brussels (Belgium), formed in 1978 around bassist and songwriter Michel Smordynia. After local gigs as The Passengers, they changed their name in time for their debut single, Spectators of Life, released by WEA in 1979 to test the market for home-grown new wave music.
The band were keen to sign to a British label, and connected with Factory Records at a gig by Joy Division at the Plan K venue in Brussels. The Names recorded Nightshift in Manchester in August 1980, with producer Martin Hannett. The single is representative of their overall sound: dark, controlled modern rock in the mould of Magazine, Comsat Angels and Joy Division/early New Order, with accomplished keyboards and songwriting.
The Names enjoyed a long and rewarding relationship with mercurial producer Hannett, who also oversaw their next single Calcutta (Factory Benelux, 1981) and debut album, Swimming (Les Disques du Crepuscule, 1982). With him, the band created a lush, syncopated, drum-machine-based sound for Smordynia's memorable melodic hooks, resulting in some of the more evocative records by any of the moody, atmospheric bands of the day.
The group played live mostly in the Benelux countries and France, including the ambitious Crepuscule multi-media package Dialogue North-South in February 1982. The group had also been booked to appear in Manchester in July 1980 as support to A Certain Ratio at The Beach Club. When The Names were delayed, New Order stepped in for their first live performance after the end of Joy Division.
A final Names single, The Astronaut, appeared in 1982, again produced by Hannett, who had by then split from Factory Records. However the post-punk era was ending, and the band split.
In 1995 original core trio of Michel Smordynia (vocals/bass), Marc Deprez (guitar) and Christophe Den Tandt (keyboards) reunited as Jazz, releasing one album, Nightvision.
In December 2007, the Names have reunited for a gig during A Factory Night (once again). In April 2009, they released a new album called "Monsters Next Door" under the label Str8line.
Die Namen waren eine Post-Punk-Band aus Brüssel (Belgien), im Jahr 1978 um Bassist und Songwriter Michel Smordynia gebildet. Nach lokalen Gigs wie die Passagiere, änderten sie ihren Namen in der Zeit für ihre Debüt-Single, Zuschauer des Lebens, von WEA im Jahr 1979 veröffentlicht, um den Markt für "home-grown New Wave Musik zu testen.
Die Band war daran interessiert, mit einem britischen Label zu unterzeichnen, und verbunden mit Factory Records bei einem Auftritt von Joy Division im Plan K Veranstaltungsort in Brüssel. Die Namen aufgezeichnet Nightshift in Manchester im August 1980 mit dem Produzenten Martin Hannett. Die Single ist repräsentativ für die Gesamt-Sound: dunkel, kontrollierten Modern Rock in der Form der Magazine, Comsat Angels and Joy Division / New Order früh, vor vollendete Keyboards und Songwriting.
Die Namen genossen eine lange und lohnende Beziehung mit Mercurial Produzent Hannett, der auch beaufsichtigte ihre nächste Single Kalkutta (Factory Benelux, 1981) und Debüt-Album, Schwimmen (Les Disques du Crepuscule, 1982). Mit ihm schuf die Band ein üppiger, synkopierten, Drum-Machine-basierte Sound für's Smordynia denkwürdigen melodischen Hooks, die sich in einigen der beeindruckendsten Aufzeichnungen von jedem der Moody, atmosphärischen Bands des Tages.
Die Gruppe spielte live vor allem in den Benelux-Ländern und Frankreich, darunter die ehrgeizigen Crepuscule Multi-Media-Paket Nord-Süd-Dialog im Februar 1982. Die Gruppe hatte auch gebucht worden, um in Manchester im Juli 1980 erscheinen als Unterstützung für A Certain Ratio im Beach Club. Wenn die Namen verzögert wurden, trat in New Order für ihre erste Live-Auftritt nach dem Ende von Joy Division.
Eine endgültige einzigen Namen, der Astronaut, erschien im Jahr 1982, wieder durch Hannett, der damals von Factory Records produziert hatte aufgeteilt. Doch die Post-Punk-Ära war zu Ende, und löste sich die Band.
Im Jahr 1995 ursprünglichen Kern-Trio Smordynia Michel (Gesang / Bass), Marc Deprez (Gitarre) und Christophe Den Tandt (Keyboards) als Jazz vereint, ein Album veröffentlichen, Nachtsichtgeräte.
Im Dezember 2007 haben die Namen für einen Auftritt beim A Factory Night (wieder) vereint. Im April 2009 veröffentlichten sie ein neues Album namens "Monsters Next Door" unter dem Label Str8line. . User-contributed text is available under the Creative Commons By-SA License; additional terms may apply.
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Allgemeines
Die Musik der Band ist durch eine Vermischung tanzbarer elektronischer Rhythmen mit Elementen der Popmusik und des Techno-Trance gekennzeichnet. Die Texte setzen sich – dementsprechend vielschichtig – sowohl mit gesellschaftlichen Fragen, als auch mit persönlichen Erlebnissen und Erfahrungen auseinander. Über allem steht ein futuristischer Kontext, der sich wie ein roter Faden durch die Musik und das grafische Konzept der Band zieht.
Bandgeschichte
VNV Nation wurde 1990-1993 in London, Großbritannien durch Ronan Harris (* 14. Juni 1968) gegründet. Ursprünglich war die Musik eine Mischung aus orchestralen und elektronischen Einflüssen. Das Ergebnis dieser ersten Arbeit waren zwei Schallplatten: „Body Pulse“, eine selbstproduzierte 2-Track Maxi (12") im Mai 1990 und „Strength of Youth“, ebenfalls selbstproduziert, diesmal mit 4 Stücken. Diese wurde im November 1990 herausgegeben. Ronan ging im gleichen Jahr nach Toronto, wo er seine Arbeit an diesem Projekt fortsetzte. Auch Nitzer Ebb wussten die neue Qualität von tanzbaren Electro-Beats zu schätzen und holten VNV Nation, nachdem diese nach Kanada gegangen waren, als Support für ihre dortige „Ebbhead“-Tour.
1994 kehrte Ronan mit komplett neuem und überarbeitetem Material nach Europa zurück. Einige Stücke wurden exklusiv auf Samplern veröffentlicht. Im Juli 1995 unterzeichnete VNV Nation einen Vertrag mit der deutschen Plattenfirma Discordia. Es erschien das erste komplette Album auf CD: Advance and Follow. In dieser Zeit kam Mark Jackson dazu, der die Band zunächst live als Drummer unterstützte. Später wurde er ein vollständiges Mitglied von VNV Nation.
Im Januar 1998 unterschrieb die Band einen Vertrag beim deutschen Label Off-Beat und veröffentlichte das Album Praise the Fallen (Release am 2. Juni 1998). Die erste Singleauskopplung war „Solitary“ und erschien am 14. September 1998. VNV Nation ging im September auf Deutschland-Tour.
Im Frühjahr 1999 wurde das bisherige Label Off-Beat aufgelöst und von Stefan Herwig als Dependent weitergeführt. VNV Nation gehörte mit anderen zu den ersten Veröffentlichungen.
Drei Alben waren das Ergebnis. Empires landete als Platz 1 in den Deutschen Alternative Charts (DAC) und blieb dort für sieben Wochen. Darauf basierend wurde es auch das Album des Jahres 1999. Aus dem Album wurden zwei Singles ausgekoppelt: „Darkangel“ und, im Frühjahr 2000, „Standing“, welches gleich 8 Wochen lang den 1. Platz belegte, die maximale Dauer, die eine Produktion sich in den DAC befinden kann. „Standing“ gewann den German Alternative Music Award für die erfolgreichste Single im Jahr 2000. Eine streng limitierte Veröffentlichung war dann das Remix-Album „Burning Empires“, welche verschiedene Versionen der „Empires“-Tracks enthielt. Sie gilt unter Sammlern als Rarität.
Im März 2001 erschien Advance and Follow v2, die Überarbeitung von Advance and Follow. Im September des gleichen Jahres erschien die Single „Genesis“. Sie erreichte Platz 67 der Media Control Charts und die Top 10 der DAC. Im Oktober 2001 begann VNV Nation mit der erfolgreichen „Futureperfect“-Tour in Europa und Nordamerika. Das dazugehörige 4. Album Futureperfect erschien im Januar 2002 und erreichte Platz 25 in den deutschen Album-Charts. Die zweite Single-Auskopplung „Beloved“ erreichte Platz 60 der Media Control Charts.
Nach der Veröffentlichung von „Beloved“ kam es zur Trennung mit dem Dependent Label. Im April 2002 ging VNV Nation wieder auf Tour in den USA.
Mit dem eigenen Label Anachron Sounds versucht die Band, alle Rechte an allen zukünftigen Veröffentlichungen ausschließlich selbst zu besitzen. Die mit großer Spannung erwartete DVD „Past Perfect“ kam im Sommer 2004 auf dem Markt. Sie zeigte Live-Auftritte diverser Touren der Band.
2005 erschien die Single „Chrome“. Erstmalig in der Bandgeschichte wird eine Single nur als kostenpflichtiger Download im Internet veröffentlicht. Das 5. Album „Matter + Form“ ist seit April 2005 auf dem Markt. Ab dem 31. März 2005 ging VNV Nation auf die „Formation Tour 2005“, die in Hamburg startet und bis nach Nordamerika ausgedehnt wurde. In Europa wurde die Band von Diorama und Soman unterstützt.
Im April 2007 erschien das Album Judgement.
Nachdem es einige Zeit still um die Band war, erschien im April 2009 Reformation 01, eine Doppel-CD samt DVD, die diverse Livetracks und Remixes von „Matter + Form“ enthält. Bereits 2 Monate später erschien im Juni 2009 das 7. Studioalbum Of Faith, Power And Glory. Ende Juni begann in Amerika die "Faith Power And Glory-Tour 2009", die VNV Nation ab September 2009 auch wieder auf deutsche Bühnen führen wird. Unterstützt werden sie bei diesen Konzerten von Rotersand.
Am 16. September 2011 erschien das Album „Automatic“. Es ist laut Media Control das bisher erfolgreichste Album der Band und belegte Platz 8 der deutschen Albumcharts. Die den Fans schon lange versprochene EP „Crossing the Divide“ wurde am 14. Mai 2012 zum kostenlosen Download veröffentlicht. Sie enthält sechs Remix-Versionen von Songs des Albums „Of Faith, Power And Glory“.
Am 6. März 2013 wurde (sowohl auf der offiziellen Homepage von VNV Nation als auch auf dem offiziellen Facebook-Bandprofil) bekannt gegeben, dass voraussichtlich noch im September des Jahres das neue Album „Transnational“ erscheinen wird. . User-contributed text is available under the Creative Commons By-SA License; additional terms may apply.
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Ihre Musik erzählt Geschichten und wandelt Gefühle in Melodien. Ausgestattet mit einer Vielzahl von Instrumenten berichten sie von der Natur, führen zu den knorrigen Wurzeln der Bäume und zeigen euch den stolzen Wind. Eigene Kompositionen, frei von stilistischen Vorgaben, führen tief in die Wälder, erwecken die Magie dieser Welt und lassen euch einen Blick werfen in das Herz der Anderswelt. WALDKAUZ spielen grenzenfreien Folk mit mittelalterlichen Einflüssen.
Die ersten Töne erklangen im Jahre 2010, als Gina und Lennart begannen gemeinsam zu leben und zu musizieren. Doch erst als Peter 2012 zurück in die Nähe zog, entwickelte sich aus der Idee die Folkband Waldkauz.
Melodien und Harmonien verwandelten sich zu Liedern, die sie im Jahr 2013 schließlich auch auf die Bühne brachten.
Zum Start des Jahres 2014 verbanden sich die Wege von Waldkauz mit Nina und Niklas. Seitdem wurde nicht nur der Proberaum voller, sondern auch das Klangbild gewann schließlich an Tiefe dazu.
Flugversuch – Demo CD (2013)
1. Auf!
2. Tanzgeist
3. Im Winde
4. Midsummers Night
5. Ostara
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Die Musik besteht vordergründig aus harten Beats, kurzen und einprägsamen Melodieläufen und eingestreuten Samples – Der Musiker selbst betitelt seine Musik mit dem Slogan „industrial music for hyperactive people“.
Umsetzung
Am 1. Juni 2003 kam der Vertrag mit dem Plattenlabel Pronoize. Der auf dem Album „Lichtlos“ enthaltene Track „Eisenkiller“ entwickelte sich im Winter 2003/2004 zu einem Clubhit. Das Album selbst gelangte als eines der ersten Rhythm-’n’-Noise-Alben in die DAC (Deutsche Alternative Charts).
Das im Juni 2005 veröffentlichte Album „[PSI]“ erreichte den zweiten Platz in den DAC und behielt diese Position drei Wochen lang.
Am 16. April 2006 veröffentlichte xotox sein erstes Livealbum "Dokumentation 1: Ton".
Das im März 2008 veröffentlichte Album "in den zehn Morgen" erreicht Platz 1 in den DAC.
Im Mai 2008 erscheint mit "hyperactive – the best of" ein exklusives Nordamerika-Release bei Vendetta Music (als offizielles Lizenzprodukt von Pronoize).
Diskografie
* 1999 – Stückgut
* 1999 – Epos
* 2000 – Monolith
* 2000 – Disinhibition
* 2001 – Normalzustand: Angst
* 2001 – Rhythm of fear (live in Jena)
* 2002 – Silberfieber
* 2002 – Indre Stilhed "the silent side of Xotox" (Oct/Nov 2002, lim. 200 Copies CR-R, erschienen auf Tosom Records)
* 2002 – Nothing EP
* 2003 – Industriepalast + Xotox – Zu hart für's Sauerland
* 2003 – Tscheljabinsk65 / Xotox – Industrielle Zertrümmerung eines Schädels (Limited auf 23 CD-R)
* 2003 – Lichtlos (November 2003)
* 2004 – Die Unruhe (Juni 2004 – limitiert)
* 2005 – [PSI] (Juni 2005)
* 2005 – [PSI] (Juni 2005 – limitierte DCD)
* 2006 – Dokumentation 1: Ton (April 2006 – limitiert auf 1000 Kopien)
* 2008 – In den zehn Morgen (März 2008) (CD und Limited Box-Set, incl. Bonus-CD "Early recordings 1999-2002, limitiert auf 1000 Kopien))
* 2008 – Hyperactive – the best of (exklusives Nordamerika-Release)
* Außerdem erschien 2001 das Album "re<attack (Xotox is remixed by LoD)", welches kein offizielles Xotox-Album ist.
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Alle inoffiziellen Bands für das 29. Wave-Gotik-Treffen
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So… do I really need an own Blog? And why?
Yes, it seems so. And the reason why…
I have recently begun performing solo concerts for fun, but since some people have started asking for a web page and songs to preview, I decided it was time to start a blog.
Let me tell you a little about who "Ben Bloodygrave" is… and what I am about.
Since my teenager years I have been very interested in music and creating it. At 13 years, I began keyboard lessons. This lasted about 1-2 years because at the time I found it quite boring. So when I was 17, I bought a drum kit and taught myself to play it while participating in 2 different Punk bands in southern Germany.
Some years later my interest in keyboards developed as I became more attracted to "old school synth tunes". This inspired me to buy my first tiny synthesizer. I started to record my first experiments and put them online. I also made a demo CD titled “Bloodygrave – Demo”, with the help of Tobi Cool, which I gave away for free.
2 years later, in 2009, I moved to Berlin, where I met Frasco from the band "Die Lust!”. He invited me to join a band he started with Andy "AC". We named this new collaboration "Rotten Western Kulture" and created a more Deathrock/Darkpunk sound. Currently RWK has been disbanded, however you can find information about the band and listen to the music on My Space:
http://www.myspace.com/rwkberlin
Frasco and I have since moved on and combined our solo projects to become the Synthwave band "Bloodygrave & Die Lust!". Until now, my entire focus has been solely on this project with him. For those who don’t know about "Bloodygrave & Die Lust!" please follow this link:
www.bloodlust.de.nu
So this brings us to today! For a long time I have had this itching curiosity. How would my favorite Punk bands sound if they were using synths instead of guitars and drums? So I started to play around with sounds to test it out. This was the beginning of my solo project “Ben Bloodygrave” and the creative outlet for my own songs which don’t quite fit in the project with Frasco.
For those who like to know more details, how i am making music:
Here are my "Band Members" 😉
Korg: Microkorg, KP3, EMX
MFB: Synth2, Kult, Step64
Yamaha: FB-01, PSR650, EMT1, CVS10
Casio VL Tone …and other gear. . User-contributed text is available under the Creative Commons By-SA License; additional terms may apply.
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1. Betlehem is Croatian worship/praise band.
2. Betlehem is a black metal band. . User-contributed text is available under the Creative Commons By-SA License; additional terms may apply.
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La difusión e impacto con los que cuenta la banda en estos días es gracias a la Web, ya que a partir de la publicación de su primer vídeo musical de la canción 'The Trouble' en YouTube (el cual recibió más de 100,000 reproducciones), la banda comenzó a disponer de una cantidad importante de seguidores. Además de que consideran ser influenciados por Queen, Muse y Nick Cave.
De acuerdo a los miembros del grupo, el ritmo de su música es rápido, con complejas Percusiones, Piano, Bajo y Violín, atado a enormes y contagiosos coros. Las letras de sus canciones tratan temas como la decadencia, Homosexualidad, Obsesión, entre otras actitudes, comportamientos y condiciones de controversia social.
. User-contributed text is available under the Creative Commons By-SA License; additional terms may apply.
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Zwischen 1991 und 1998 veröffentlichten Children on Stun drei Alben und drei EPs.
Mit ihren intelligenten und humorvollen Texten haben Children on Stun unglaublich viel für die englische Post-Sisters-Of-Mercy-Ära getan und wurden mit dynamischen Auftritten und tollen Melodien selbst eine Legende.
Im verflixten siebten Jahr der Bandgeschichte,1998, entstand dann mit Seven Year Itch das Abschiedsalbum der englischen Gothic-Rock Legende.
In dem Wissen, mit Children on Stun so viel erreicht zu haben wie möglich war, hatten sich die Musiker 1998 zur Auflösung der Band entschlossen. . User-contributed text is available under the Creative Commons By-SA License; additional terms may apply.
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Die Lieder von Cultus Ferox sind teilweise instrumental, teilweise mit Gesang. Die Texte beschäftigen sich mit Themen aus der mittelalterlichen Lebensweise, aus Sagen und Mythen, aus heidnischer Religion und in jüngster Zeit verstärkt mit Piraterie und damit verwandten Themen.
Bandgeschichte
Die Band hat sich Ende 2002 gegründet und gehört heute zu den beliebtesten Bands dieser Art in Deutschland. Ihre Lieder stammen teilweise von mittelalterlichen Spielleuten und sind teilweise selbst geschrieben.
Die Bandmitglieder spielten zuvor bei Corvus Corax (St. Brandanarius, Strahli der Animator, Donar von Avignon), Tanzwut (Brandanarius), Fabula Aetatis (Briantanus der Einsiedler, Asmon der Animator) und Wolgemut (Steffano di Panoptico).
Nach einem Album mit Weihnachtstänzen erschien 2003 das erste vollwertige Album "Wiederkehr", auf dem fast ausschließlich akustisch und instrumental musiziert wird. Es folgten die EPs "Flamme des Meeres" und "Aufbruch". Auf diesen EPs wird schon mit Rockeinflüssen experimentiert.
Im Jahr 2004 erst noch als Gastmusiker kam PanPeter im Januar 2005 offiziell zur Band hinzu. Ende 2005 verließen Briantanus und Asmon die Band. Sie spielten zunächst als Gastmusiker bei Cradem Aventure, haben sich aber 2006 entschlossen, ihre alte Band Fabula Aetatis erneut aufleben zu lassen. Seit 2006 wird Cultus Ferox daher verstärkt durch Thomasius (oder nur "Masius"), der vorher bereits als Gastmusiker auftrat, und Fedja von Hinnen (seit 2007 unter dem Namen "El Böslinger").
Im März 2006 erschien das Album "Unbeugsam" sowie die DVD "Strandgut" mit Tourberichten, Videos, Konzertausschnitten und Bandinfos. Auf dem Album "Unbeugsam" zeigt sich die Band stärker denn je von ihrer rockigen Seite. Sie verwendet bei den meisten Liedern zusätzlich zu ihren akustischen Instrumenten E-Gitarren, E-Bass und Schlagzeug und es wird öfter als bisher gesungen.
Mit diesem Rock-Konzept werden seitdem auch die meisten Club-Konzerte gespielt, während Konzerte auf Mittelaltermärkten weiterhin puristisch mit rein akustischen Instrumenten bestritten werden. Bei ihren Rockshows grenzen sich Cultus Ferox durch ein Piraten- bzw. Seefahrer-Image von ähnlichen Bands wie In Extremo, Saltatio Mortis, Schelmish oder Tanzwut ab.
Ihre neueste Veröffentlichung, die DVD/CD "Rumtour" zeigt die Band bei einer ihrer Rockshows. Die Gitarristen sind Burny C und Rudi Rudell. Den E-Bass bedient Rumtreiber Rudolph.
Trivia
* Parallel mit dem Album "Unbeugsam" wurde ein Soloalbum von Brandan mit dem Titel "Fernweh" veröffentlicht. Hierauf sind Coverversionen von Ostrock-Klassikern sowie in eine ähnliche Richtung gehende Eigenkompositionen
* neben der "Stammbesetzung" gehören zu Cultus Ferox noch mehrere Gastmusiker sowie Tänzerinnen, die die Band je nach Verfügbarkeit auf der Bühne verstärken
* Gemeinsam mit Saltatio Mortis, die Streuner und Schelmish gehört die Band zu den Stammbands des Mittelalterlich Spectaculum. . User-contributed text is available under the Creative Commons By-SA License; additional terms may apply.
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Drab Majesty’s first release, a limited-edition cassette of 100 copies titled Unarian Dances, was self-released in 2012 and re-pressed by Lollipop Records shortly thereafter. Drab Majesty then signed with Dais Records and put out the debut LP Careless in 2015. Careless was met with high praise from critics and fans alike, and the original pressing is now a sought-after gem. A year after the initial pressings of Careless sold out, Dais released a compilation titled Completely Careless, featuring Drab Majesty’s entire discography, including two previously unreleased tracks.
On Halloween 2016, a split single featuring King Dude was released on Dais Records. Drab Majesty released their second LP entitled The Demonstration in January 2017.
In September 2017, the band released a single entitled Oak Wood in honor of Cash Askew, a victim of the Ghostship tragedy in Oakland.
A talented multi-instrumentalist, DeMure composes all of the elements of Drab Majesty. However, rather than taking personal credit for the music, DeMure insists that the inspiration for the songs is received from an other-worldly source and that Deb is merely a vessel through which outside ideas flow inward. But Drab Majesty is more than just a musical project — it’s a methodical experiment in the identity of creativity. The character Deb DeMure is an enigma that eludes all expectations of gender and ego. When DeMure’s imposing 6’ 4” figure assumes the stage, Deb’s playful, harlequinesque appearance, tempered by an ominous body language, and clashing with the dreamy, ethereal melodies comes across as a web of contrasts. The result is a perfect balance between seemingly conflicting messages, between the high and the low, the drab and the divine.
Drab Majesty — Bandcamp
Drab Majesty — Dais Records
Drab Majesty — Discogs
Drab Majesty — Facebook
Drab Majesty — RateYourMusic
Drab Majesty — SoundCloud
Drab Majesty — Tumblr
Drab Majesty — Twitter
Drab Majesty — YouTube
—Discography—
2012 – UNARIAN DANCES (EP)
2013 – Disorder Vol. 1 (split single with Eleven Pond)
2015 – Unknown to the I (single)
2015 – Careless (LP)
2016 – Completely Careless (compilation)
2016 – The Heiress / The Demon (single)
2016 – Who Taught You How to Love (split single with King Dude)
2017 – The Demonstration (LP)
2017 – Oak Wood (single) . User-contributed text is available under the Creative Commons By-SA License; additional terms may apply.
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In the last 2 decades, they released unique vinyl CD and cassettes in multiple editions , usually personalised and with personalised hand-painted artwork.
Every show of Feine Trinkers bei Pinkels is an experience for itself – it's timeless, it's a feast for the ears, and it's such a pleasure to see them doing all the work on stage when you just lean back staring at them, with their aural earbuds tickling your eardrums.
Now, Yesterday or Tomorrow, and why do they have such an attention to detail – that's the question you will ask yourself. "
Ursprünglich kommt J. Eberhard aus dem äußersten Südwesten der Republik, Lörrach. Ins Exil nach Bremen kam er, nachdem ihm die Stadtväter unter dem Vorwurf, ein badischer Unabomber zu sein, eine Bannmeile um seine alte Heimat zogen. Kerosin, Rohre, Metall, Schrauben wurden gefunden. Ein Höllengerät machte ohrenbetäubenden Krach. Das reichte aus. Was die Ordnungshüter nicht glauben wollten, war, dass es sich um Musikgeräte der Feinen Trinkers Bei Pinkels Daheim handelte. Lange sind die Trinkers nun schon in Bremen und kommen alle paar Jahre mal wieder aus dunklen Souterrain-Wohnungen ohne Fenster mit Lebenszeichen in Form von CDs und Schallplatten mit klangvollen Titel wie »Hungerhakens Speckrolle«, »Apfelmost und Essig« und (unser derzeitiger Favorit) »Wellen falscher Blondinen« hervor. Allesamt eine Wucht, Handwerker-Drone und Selfmade-Noise. Das Kerosin wurde konfisziert, der Heimwerker- und DIY-Hometaper-Ethos bleibt. . User-contributed text is available under the Creative Commons By-SA License; additional terms may apply.
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And after three angry greasers rise up to the living…
And after the devils and demons got drunk by their sound…
The world saw through a haze of cigarette-smoke…
The three apocalyptic saviours of horrorpunk…
And you will know them as HELLGREASER!!!
Hellgreaser ist eine Horror Punk Band aus Köln.
http://hellgreaser.de/
http://www.reverbnation.com/hellgreaser
http://backstagepro.regioactive.de/hellgreaser
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They agreed to do the film-music together and in order to get composing rolling right away, they started looking for a drummer. Passing by a pawnshop in Long Beach next day, Peter saw a Roland TR 606 drum machine in the window. He had heard that it was a good and cheap choice, so he went inside to ask about the price. The owner who was an old Mexican guy told Peter that he had a very special drum machine and pulled down an old dusty Roland 707. "I won this one in a poker game in Mexico a while ago," he said. "Price is going up on Ebay as vintage item these days, but this one you can have for 20 bucks if you take it with you right now!" "Deal!" Peter replied and next day he was on a plane to Denmark carrying his first drum machine.
Well home in Copenhagen Peter hooked up with Jeppe and the 707 in the rehearsal room, where the soundtrack for the movie soon began to take shape. But as the composing came along, they felt a strange urge to write regular songs, inspired by the sound of the drum machines artificial drums. Soon it was as if the drum machine wanted to perform live, and by now the band did actually have enough songs for a short live set. A band was beginning to grow out of what was originally meant to be only a get-together for composing the soundtrack for a horror movie!- And when Peter and Jeppe found themselves programming a drum solo for the 707 they spoke out what they had both long been thinking: This drum machine has soul!!! – in the same moment the name HOLA GHOST came to the band.
Since then they have been playing shows around Copenhagen and the band and especially "Ghost 707" as the drum machine is now called, has been gaining a constantly growing group of followers. While becoming an important part of the band, Ghost 707 together with Jeppe and Peter has developed a growing interest in Mexican music and flamenco with, and they have been working these influences into their music together with the punk, psychobilly, rock’n roll and everything else they brought along from the past. This results in something that does not sound like any particular genre, but with room to embrace whatever musical influences they feel like and the will to ROCK! They name it: “PSYCHOTIC FLAMENCORE AND MORE…”
After finishing the score for Gris Grimly’s movie "Cannibal Flesh Riot", Hola Ghost will perform selected compositions from the soundtrack at the movies opening nights in the "Silent Movie Theatre" in Hollywood on the 15th and 16th November 2006 and then support the Australian psychobilly band ZOMBIE GHOST TRAIN on the SoCal part of their US-tour. Next year the "Cannibal Flesh Riot" DVD, the soundtrack with a graphic version of the movie drawn by Gris Grimly and a full length album is planned to come out. – All with the living dead drummer "Ghost 707" keeping up the beat!
Discography:
Cannibal Flesh Riot (2008)
The Man They Couldn't Hang (2009)
Christmassacrebleu (2010): co-christmassingle w/ Vulture Club . User-contributed text is available under the Creative Commons By-SA License; additional terms may apply.
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Nebenprojekte
Klutæ – Nebenprojekt, früher bekannt als Klute
Künstler, die durch die Musik von Leæther Strip beeinflusst worden sind:
Hocico
Suicide Commando
:wumpscut:
Projekt Eisenfaust
www.myspace.com/leaetherstrip . User-contributed text is available under the Creative Commons By-SA License; additional terms may apply.
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Das Demotape und die Single haben schon einige Wellen geschlagen.
Erste Assoziationen sind Blumfeld (ganz frühe) und Fehlfarben (die erste). Manche fühlen sich durch den Gesang auch erinnert an Rio Reiser. Kann man sich bestimmt drüber streiten. Manchmal schimmert durch: die Kolossale Jugend. Aber, wie sagt man: hinten hat der Fuchs die Eier. Messer sind spröde, klirrig, rätselhaft, versplittert. Trotzdem rollt die Platte ungemein. Die Beats sind zackig, der Bass treibt kompromisslos die Herde vor sich her. Melodisch, aber vor allem tight. Die Gitarre scheint sich aber immer wieder höhnisch zu entziehen, in luftige Delay- und Geräusch-Wabereien. Und da merkt man, dass das andere Standbein Messers ganz woanders, nun ja, steht, als „nur“ im (deutschen) Post-Punk der 80er/90er: Neu! oder Can findet man hier genauso. . User-contributed text is available under the Creative Commons By-SA License; additional terms may apply.
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Update 2011
Ob Moogulator ein Genre spielt lässt sich schwer beantworten. Bei Konzerten prüft er die Lage im Raum und wird nicht gezwungen sein ein festes Programm in irgendeinem Stil durchzuziehen "ihr müsst da jetzt durch". Aber dennoch hat die Musik stets Spuren einer eigenwilligen Struktur und Sounds. Diese werden immer genau dann erzeugt und nicht vom Rechner per Audiofile abgespielt. Zwischen blinkenden skurrilen Elektroinstrumenten wird Handarbeit geleistet. Um den sitzenden Britzelpop-Musiker versammeln sich bunte Maschinen, deren Funktion und Auswirkung oftmals aus und auf Augenhöhe beobachtet werden kann. Nicht immer hinter "Keyboardständern", sondern auch sitzend auf dem Klangteppich.
Einflüsse? Na klar! Rhythmische Konstruktionen aus dem Mathebuch, aber mit Herz. Es gab eins Genrebezeichnungen mit 3 und mehr Buchstaben, die zu Beginn versuchten einen Teil dessen festzuhalten, aber wirklich drin aufhalten konnte man sich nicht, da die notwendige Atmosphäre fehlte. Wer hat schon EBM, IDM, Glitch, Synthpop, Filmsound mit und ohne Bild, New Wave, Neue Musik, Industrial, DnB einmal gehört? Wie auch immer dies morgen heißt und mal bezeichnet wurde. Dem Kind der Siebziger blieb der Einfluss sicher nicht unbeeinflusst. Und wem sagt das noch oder bald etwas? Nur ein paar Nerds. Keine Musik für ein stilfestes spezielles Spezialpublikum. Nicht einfach zum tanzen oder für Kunstausstellungen mit schwarzer Kleidung. Wie einen Apfel auf dem Mond finden. Also macht der Moogulator als elektronisch erkennbare Musik und setzt sie neu zusammen. Bei der Suche im Netz wird man bei seinem Namen auch auf Synthesizer stoßen, denn damit wird er auch in Verbindung gebracht.
Konzerte verlaufen individuell, neu und werden auch nicht alle aufgenommen oder mitgeschnitten. Sie sind daher speziell für den Tag und enthalten keine Wiederholungen, denn die kann man mit Elektronik ohnehin leicht erzeugen. Aber deshalb sitzt dieser Moogulator auch daran und die Klänge und Strukturen die entstehen sind jetzt. Moogulator soll aber auch bereits in sehr unterschiedlichen Besetzungen beobachtet worden sein. Was kommt ist anders. Kann man Kunst tanzen? Darf man in Clubs auf den Klang hören und einfach nur zuhören? Mal sehen, was er dieses Mal macht und wie sich das anfühlt?
___
Web Info:
www.moogulator.com
www.myspace.com/moogulator
Aktuelles Label:
Aentitainment
Aktuelle Veröffentlichungen:
• Moogulator – The Digital Anatomist Project – CD Album
• Moogulator / Enzym Split EP, 12" Schallplatte, Rotes Vinyl
Hintergrund:
• Betreibt Musiker/Synthesizer Web-Community und Magazin in Papier.
• Ex-Norddeutscher in NRW im Kreis D-K-W
• Musikalisch geprägt in den 70/80ern, Autodidakt mit Seiteneinstieg Klavier, den ersten bezahlbaren Computern und Elektronik
* Kunst, Filmsound, Club und Konzertauftritte unterschiedlichster Art von streng auskomponiert bis frei improvisiert, alles nicht mal ignoriert wieder inspiriert inszeniert.
Extrem live orientiert.
Filmmusik und viele Live-Acts auch mit dAdA-iNN. Der Animationsfilm 458nm bekam auf der Ars Electronica 2006 einen Award, dAdA-iNN (1/3tel davon ist Moogulator) baute dazu den Soundtrack ( www.458nm.de ). Niobe steuert die Stimme zum Soundtrack von Frequenz Morphogenese ein, der ebenfalls in der Formation dAdA-iNN für den Film komponiert wurde. Beide Filmprojekte sind auch als CI (Corporate Identity) Elemente der FMX-Messe verwendet worden.
Moogulator ist das ein weiteres Soloprojekt von ConseQuence, hier gelistet als ConseQuence!.
Schrieb oder schreibt für verschiedene Musik- und Instrumenten Magazine wie Keys, Beat, Synthesizer-Magazin als Synthesizer-Spezialist.
Einige weitere Projekte neben Moogulator sind:
ConseQuence! (Nicht der Rapper)
dAdA-INN
Cybotech
Karma Propaganda
Graft
weiter:
Volition (nicht die Gitarrenband) und ganz früh auch als Desolated Victims
Mit kooperiert / arbeitet teilweise als Duo als: Digital Slaughter (mit O.Freitag).
Viele Improvisationen, Installationen und Live-Musik mit Musikern jeglicher Herkunft und Genrezugehörigkeit.
uva.
* Neues Album kommt Mitte 2008.
* Discogs Discography http://www.discogs.com/artist/moogulator
Web: www.moogulator.com
Germany
1999
ConseQuence!
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Die Band Nachtwindheim wurde 1998 von Tristan Hagedorn, Andramus Tavernalis und Martina Fischer aus einem Irish-Folk Projekt gegründed. Zeitgleich mit dem Ausstieg von Martina, Ende 1999, wurde Henrik de Noir in die Band aufgenommen.
Am 4.2.2000 wurde das Demo "Demo 1" im FAB-Freizeitzentrum Crimmitschau aufgenommen.
Nach vielen Konzerten nahm die Band im November 2003 ihre erste Studio-EP "Schöne Musik für schöne Menschen" auf, welche im Februar 2004 veröffentlicht wurde.
Im Jahr 2004 wurde Andastria bei Nachtwindheim aufgenommen. Sie spielte einige Live-Auftritte mit, musste jedoch im Sommer 2005 aus beruflichen Gründen die Band wieder verlassen.
Das erste Studio-Album mit dem Namen "Unplaqued" wurde im Zeitraum Herbst 2006 – Februar 2008 aufgenommen, und ist seit Mai 2008 erhältlich.
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Die Soundcollagen und Beats von Michael Krüger lenken durch dunkel-morbide Welten: Bettina Bormanns schwarze Kurzgeschichten stehen im Mittelpunkt des Konzeptes. Groovender Minimalelectro, mit Elementen von Wave, EBM, Hiphop und Drum´n´Bass bildet das Musikbett für die Storys. Die Kombination von Elektronik mit Spoken Word, Live-Schlagzeug und Bass sind stilprägend. Der gregorianische Chor Canticum Potentem ist ebenfalls ein Markenzeichen von OT. Oberer Totpunkt wird vom Label Danse Macabre als Vertreter der Neuen Deutschen Todeskunst bezeichnet.
In den Storys von Oberer Totpunkt geht es um die Diskrepanz zwischen der äußeren und der inneren „Wirklichkeit“, um Liebe, die so verzehrend ist, dass sie keine Kompromisse mehr duldet. Es geht um Furcht, um Maßlosigkeit und den Konsum von Menschen, um Sinnentleertheit und den Verlust von Idealen. Das traumatische Geburtserlebnis und das Sterben, das Leben zwischen Sinnsuche, Isolation und Scheitern, der Tod, der sich nähert. Und eine Wiederauferstehung, die aus der Umwertung aller Werte resultiert, um das Unerträgliche erträglich zu machen.
Oberer Totpunkt bezeichnet den höchsten Punkt, den der Kolben während seiner Auf- und Abbewegung im Zylinder einnimmt: Beim Verbrennungsmotor hat der Obere Totpunkt beim Einstellen der Zündung beziehungsweise der Explosion enorme Bedeutung. Der Obere Totpunkt ist die Phase vor dem Umkehrpunkt, der Bruchteil vor der chemischen Reakt
Oberer Totpunkt begann 2006 als Duo mit Bettina Bormann an den Vocals und Michael Krüger, Composer, an den Drums. Live wird Oberer Totpunkt seit 2008 von Kontrabassist David Nesselhauf unterstützt.
* 2008 10 Grad vor OT, (CD, Brainsmash Records)
* 2009 Erde ruft (CD, Danse Macabre)
* 2009 10 Grad vor OT (CD, Danse Macabre)
* 2010 Stiller Zoo (CD, Danse Macabre)
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Geschichte
1989–1991: Gründung und erste Erfolge
Placebo Effect wurde am 29. März 1989 von Axel Machens, Christoph Kunze und Achim Windel gegründet. Alle drei Mitglieder brachten unterschiedliche Einflüsse in die Band. So zeigte sich Axel Machens durch Gruppen wie Skinny Puppy, The Klinik, Cabaret Voltaire, Front Line Assembly, Front 242, Portion Control und SPK sowie zeitgenössische Filmmusik aus Horrorfilmen inspiriert. Christoph Kunze zählte seinerzeit Synthie-Pop-Künstler wie Depeche Mode, Fad Gadget und Gary Numan oder Avantgarde-Musiker wie Coil zu seinen Favoriten, während Achim Windel vor allem Hardcore Punk, aber auch Post-Punk zwischen Joy Division und The Cure, bevorzugte und Anfang der 1980er selbst als Gitarrist in einer Punk-Band aktiv war (u. a. in der Gruppe Void, die im Vorprogramm von Rotzkotz spielte). Eng damit verknüpft war die Wahl des Bandnamens, den Windel einer seiner früheren Gruppen entlieh und der dem gleichnamigen Song von Siouxsie and the Banshees entstammt. Trotz dieser Einflüsse blieb die Musik frei von Gitarreneinsatz und orientierte sich überwiegend am Klangbild der kanadischen Electro-Szene (Skinny Puppy, Front Line Assembly, Numb usw.). Ecki Stieg bemerkte später, das Anliegen der Band sei nicht gewesen, „die Sounds der Vorbilder billig zu kopieren, sondern vielmehr deren Methodik zu studieren“.
Das erste Demo „First Tape“ erschien im April 1990. Am 6. Mai 1990 gaben Placebo Effect ihren ersten Live-Auftritt im Göttinger Ballhaus. Bedingt durch die Teilnahme an der im Juni 1990 gestarteten Zillo-Nachwuchsförderaktion erhielt die Band die Möglichkeit, das zweite Demo „Gargoyles“ in den Bayreuther Danse Macabre Studios aufzunehmen. Die Kassette wurde in der Oktoberausgabe des Zillo vorgestellt.
Am 2. November des Jahres trat die Band zusammen mit The Invincible Spirit und Project Pitchfork auf dem Hildesheimer „Techno-Festival“ in der Diskothek „Vier Linden“ auf. Weitere Auftritte, darunter am 14. Juni 1991 im Bochumer Zwischenfall, folgten. Der Erfolg von Stücken wie Move und Gallery of Pain verhalf der Band zu einem Vertrag mit Danse Macabre Records, den sie am 20. Juli 1991 unterschrieb. Mehrere exklusive Samplerbeiträge, u. a. Last Day, Sacrifice sowie die Originalversion von Devoid of Soul, erschienen auf den Kompilationen „Re/Beat“, „Danse Macabre Part I“ und „Electronic Techno Music“.
1992–1993: Kreativer Höhepunkt
Am 4. Januar 1992 traten Placebo Effect zusammen mit Le Coup Sauvage, Relatives Menschsein, Operating Strategies und The Red Badge of Courage auf dem „I. Danse Macabre Festival“ im „CAT Café“ in Ulm auf. Am 22. Februar 1992 fungierte die Band als Opener für die „II. Night of Darkness“ in der Kulturfabrik Krefeld. Weitere Mitwirkende des von Alfred Kaenders (Celtic Circle Concerts) veranstalteten Festivals waren X Marks the Pedwalk, Deine Lakaien, Sigillum S und Die Krupps.
Nach sechsmonatiger Produktionszeit erschien im Mai 1992 das Debütalbum „Galleries of Pain“. Das Album wurde von Bruno Kramm (Das Ich) produziert und erhielt überwiegend positive Kritiken. Martin von Arndt, seinerzeit Mitarbeiter der Zeitschrift Sub Line, bezeichnete das Album als ein „exzellent produziertes Underground-Dance-Werk“ und vergab sieben von zehn möglichen Punkten. Das Glasnost Wave-Magazin äußerte, die „Vielfalt der Sounds“ sei „erstaunlich“. Schnell zeige sich, dass „in diesem Werk wesentlich mehr“ stecke und die Musik „kaum mehr als typische EBM vereinfacht werden“ könne. Placebo Effect bestächen „durch transparente Sphärik, die ein melodisches Gleichgewicht zu dem druckvollen Beat“ bilde. „Sehr gekonnt und durchdacht“ mischten sich „in das Grundmuster elektronischer Rhythmen und Sequenzen Sounds aus ganz anderen Genres“. Dabei wurde u. a. auf einen Neoklassik-Einfluss verwiesen. Martin Irmscher vom Musikmagazin Vertigo schrieb, das Album enthalte „monumental-mystische Klanglandschaften, die sich mit tanzbaren Nummern“ abwechselten. Lieder wie „Move“ und „Agony of Mind“ seien „in etlichen Underground-Discos Pflichtstücke.“ „Galleries of Pain“ verkaufte sich in den nachfolgenden Jahren rund 10.000-mal. Ein Remix des Songs „Mystress“ erschien auf der Kompilation „Celtic Circle Sampler Part 1“.
Am 23. August 1992 traten Placebo Effect zusammen mit Project Pitchfork und Trial auf dem „Documenta Dance“-Festival im Rahmen der documenta IX in Kassel auf. Die eigens zu diesem Zweck ausgearbeitete Bühnenshow stieß auf scharfe Kritik und gipfelte in einer Diskussion über Gewaltverherrlichung. Neben Das Ich, Relatives Menschsein, Le Coup Sauvage und Printed at Bismarck’s Death nahm die Band am 31. Oktober 1992 am „II. Danse Macabre Festival“ im Werk II in Leipzig teil. Ein weiterer Auftritt auf dem „1. Voice of Time Festival“ im Chemnitzer Kraftwerk folgte am 20. Dezember 1992. Mitstreiter des Abends waren Dive und Think About Mutation.
Am 23. April 1993 traten Placebo Effect zusammen mit Dive, Aurora und Armageddon Dildos auf dem „Electro Shock Festival“ in Hildesheim (Vier Linden) auf. Aufgrund vertraglicher Probleme und der Unzufriedenheit mit der Arbeitsweise Danse Macabres erfolgte noch im selben Jahr ein Wechsel zum Plattenlabel Ausfahrt Records. Der Veröffentlichungstermin des bereits für April 1993 angekündigten Albums „Bad Dreams“ wurde zunächst aus zeit- und rechtlichen Gründen auf August und ein viertel Jahr danach auf den Spätherbst verlegt, anschließend jedoch ganz verworfen. Ebenso musste die anstehende Deutschland-Tour abgesagt sowie einzelne Auftritte auf den Herbst verschoben werden. Die Band wählte unterdessen sechs der besten Songs ihres Repertoires aus und veröffentlichte am 15. September 1993 das innerhalb von zwei Monaten im Out-O-Space Studio Göttingen selbstproduzierte und von Andreas Krüger (Eiskalte Gäste, Der Dritte Raum) koproduzierte Minialbum Slashed Open. Hierauf zeigten sich Placebo Effect deutlich atmosphärischer, die Tanzbarkeit des Vorgängers trat zugunsten filmmusikalischer Elemente in den Hintergrund. Produktionstechnisch kehrte die Band zu ihren Wurzeln zurück, arbeitete verstärkt mit analogen Sounds und verzichtete weitgehend auf den Einsatz digitaler Synthesizer und Sampler.
„Anfang der 1990er beschäftigte man sich viel mit Samplern und setzte diese schwerpunktmäßig ein – auch wir. Das Ergebnis waren harte ‚Lärm‘-Samples, die die Songs prägten und alles sehr perkussiv klingen ließen. Heute hat sich dieses Thema totgefahren, und es findet zwangsläufig eine Rückbesinnung statt.“
– Axel Machens, Intro Musikmagazin, September 1994
Zugleich erfolgte die bis dahin stärkste Annäherung an kanadische Vorbilder wie Skinny Puppy. Sven Freuen, Journalist des Musikmagazins Zillo, schrieb, die Gruppe knalle „ein perfekt durchstricktes Electro-Stück ans nächste, mal heroisch-herabziehend, mal kanadisch-treibend hart“. Er bezeichnete Slashed Open als „eine dynamische Reifeleistung, die zu den besseren Electro-Veröffentlichungen dieser Tage“ zähle. Stefan Herwig (Sub Line Musikmagazin; Kugelblitz, Off Beat, Dependent) hob die Melodiösität des Werks hervor, bemängelte allerdings die fehlende Clubtauglichkeit. Er vergab in seiner Rezension sechs Punkte. Ein Videoclip zum Titelstück erschien 1994 auf der Videokompilation „Delta O“. Er thematisiert Gewalt als Teil des gesellschaftlichen Lebens und enthält Filmmaterial von Kriegs- und NS-Dokumentationen (Bombardements, Konzentrationslager), physischen Auseinandersetzungen in sozialen Brennpunkten, Tierversuchen (Vivisektion), Massentötungen (bspw. Robben, Haie), aber auch Szenen aus Horrorfilmen (z. B. aus Body Parts).
Ab Oktober 1993 gaben Placebo Effect erstmals im Ausland Konzerte, darunter am 8. Oktober in Prag, am 9. Oktober in Bratislava sowie am 4. Dezember in Sint-Niklaas, Belgien.
1994–1999: Misserfolg und Auflösungsprozess
Neben Dive und Insekt nahm die Band am 5. Februar 1994 am „4. Voice of Time Festival“ im Kraftwerk, Chemnitz, teil. Am 14. April 1994 trat sie zusammen mit Black Rose, Phallus Dei, Sixth Comm und Sielwolf auf dem „Dark Easter Festival“ im Anker, Leipzig, auf. Im Juni startete die 1994er Deutschland-Tour, die die Band durch Duderstadt, Berlin, Erfurt, Großörner, Würzburg und Bochum führte und auf der das zweite Vollzeitwerk „Manipulated Mind Control“ vorgestellt wurde.
Auf diesem, im August 1994 veröffentlichten Album gingen Placebo Effect gänzlich neue Wege. Anstelle einer Fortführung der gewohnt vielschichtigen und soundtrackartigen Kompositionen konzentrierte sich die Band nun auf minimale, tanzbare Songstrukturen. Fans und Presse zeigten sich über den neu eingeschlagenen Pfad gleichermaßen enttäuscht. Einzig die Titel Last Walk (Through My Life) und No Man's Land konnten an alte Qualitäten anknüpfen. Das Glasnost Wave-Magazin schrieb, das Werk „enttäusche über weite Strecken“. Es sei „bei einem Laborversuch geblieben“. „Manipulated Mind Control“ sei ein „langweiliges, unstrukturiertes Sammelsurium von Fragmenten, die kein sinniges Album in der bisher von Placebo Effect gewohnten Klasse“ hergäben. Die Band habe „sich ganz offensichtlich in ihren Experimenten verfangen“ und sei „am Ziel vorbeigeschossen“. Zillo-Mitarbeiter Dirk Hoffmann bezeichnete das Album als „katastrophal“. Unterm Strich blieben „Axel Machens, Christoph Kunze und Achim Windel hinter den hohen Erwartungen zurück“.
Am 22. Oktober 1994 absolvierte die Band zusammen mit Die Form, Mortal Constraint, Notstandskomitee, Garden of Delight und Allerseelen einen Auftritt auf dem „Diabolus Cantus Festival“ in der Karlsruhe-Durlacher Festhalle. Ein weiterer Auftritt folgte am 12. November auf dem „Electro Festival“ im Luzerner Konzerthaus Schüür. Neben Placebo Effect komplettierten amGod, Suicide Commando, Sleepwalk, Lescure 13 und Fuze Box Machine das dortige Line-up.
Im Frühjahr 1995 gab die Band vereinzelt Konzerte in Berlin, Leipzig und Hamburg. Im März des Jahres erschien das Video „Live @ Bochum Zeche“, das einen Auftritt vom 12. Juni 1994 in der Zeche Bochum als Bestandteil der „Manipulated Mind Control“-Tour enthält. Im Juli 1995 tourte die Band durch die Niederlande und Belgien. Am 29. Juli trat sie zusammen mit Mortal Constraint, Corpus Delicti, Der Prager Handgriff und Still Patient? auf dem „2. Dark Wave Meeting“ in der „La Laiterie“ in Straßburg, Frankreich, auf.
Frustriert über die nachteilige Labelpolitik und die negative Resonanz auf das 1994er Werk „Manipulated Mind Control“, schränkten Placebo Effect ihre Aktivitäten in den nachfolgenden Jahren schrittweise ein. Hinzu traten verstärkt bandinterne Differenzen bezüglich der musikalischen Ausrichtung Placebo Effects, in deren Folge neu komponierte Lieder – etwa für das 1996 angekündigte Album „Shatter“ – schon nach kurzer Zeit verworfen wurden. Lediglich zwei Stücke, Chlorid und Alien, fanden den Weg auf die 1996er Retrospektiv-Kollektion „MCMLXXXIX–MCMXCV: Past…Present (1989–1995)“. Am 5. Oktober 1996 trat die Band letztmals auf einem größeren Festival auf. Neben Blind Passengers, Oomph!, Think About Mutation und Umbra et Imago nahm sie am „Energie & Harmonie/Mensch & Maschine“-Festival im Chemnitzer Kraftwerk teil.
Am 3. April 1999 – zehn Jahre nach der Gründung des Projekts – gaben Placebo Effect in Riesa ihr Abschiedskonzert. Das letzte Album „Shatter“ blieb bis heute unveröffentlicht. Auf die Frage nach der Auflösung entgegnete Axel Machens, er könne sich nicht mehr mit dem Stil der Band identifizieren.
„Ich habe gemerkt, dass es in eine Sackgasse steuert. Das Album, das wir mit Bruno Kramm gemacht hatten, war das beste Placebo-Effect-Album. „Manipulated Mind Control“ war […] nicht mehr Placebo Effect. Ich wollte vielschichtiger sein, düstere Musik machen und vor allem mehr ausdrücken. Ich wollte Alben machen, die ein Gesamtkonzept haben und tiefer wirken als bloße Tanzmusik.“
– Axel Machens, April 2001
2003–2004: Letzte Aktivitäten
Am 7. Juni 2003 gab die Band auf dem 12. Wave-Gotik-Treffen in der Leipziger Agrahalle einen exklusiven Sonderauftritt. Zum Live-Programm zählten u. a. Slashed Open, No Man's Land und Move. Ein Auftritt unter dem Titel „Placebo Effect vs. Breathe“ folgte am 14. Februar 2004 im Rahmen der Veranstaltungsreihe „Bodybeats“ im Werk 9, Berlin, zusammen mit T.A.N.K.. Hieran beteiligte sich jedoch nur Axel Machens mit seinem Projekt Breathe, das einige Placebo-Effect-Stücke live darbot. Christoph Kunze und Achim Windel blieben dem Auftritt fern. . User-contributed text is available under the Creative Commons By-SA License; additional terms may apply.
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Ihre musikalische Schaffensphase mit diversen Demos und einer Split mit der deutschen Formation Lunar Aurora beginnend, veröffentlichten Secrets Of The Moon (häufig nur S.o.t.M. o.ä.) mit "Stronghold of the Inviolables" ihr Debütwerk. Einige Jahre später folgte ihr von Fans und Presse gelobtes zweites Album "Carved in Stigmata Wounds". Es gilt als komplexe Weiterentwicklung des ohnehin bereits eigenständigen Stils der Band und diente als Sprungbrett für die zwei Veröffentlichungen: "The Exhibitions EP" und "Antithesis". Es folgte das wesentlich düsterere "Privilegivm", der hier eingeschlagene langsamere Stil wurde auf mehreren EPs weiter verfeinert und führte konsequent zur neuesten Veröffentlichung "Seven Bells".
Momentan ist die Band bei Lupus Lounge unter Vertrag, einer Tochterabteilung von Prophecy Productions.
Bandmitglieder
Aktuelle Besetzung
* SG – Gesang, Gitarre
* T. Thelemnar/Thrawn – Drums
* Ar – Gitarre
Ehemalige Mitglieder
* Thelema / Occult Overdose – Gitarre und Effekte (Trimorphes Zentrum Xul, Triumvirat Xul, Iad)
* Frazer – Drums (Exordium: 418)
* Schizo – Gitarre
* Ohtar – Gitarre
* AD – Gitarre
* Daevas – Bass
* LSK – Bass
Diskografie
* Unearthed Arcana – Demo, 1995
* Vanitas' – Demo, 1997
* Promo Tape' – Demo, 1998
* Auf Einer Wanderung Durch Goldene Sphären – Split, 1999
* De Música Mundana – Best of/Compilation, 2002
* Live in Bitterfield 2001 – Live-Album, 2002
* Stronghold of the Inviolables – Album, 2002
* Bestien In Engelsgestalt – Split, 2003
* Carved in Stigmata Wounds – Album, 2004
* The Exhibitions – EP, 2005
* Antithesis – Album, 2006
* Privilegivm – Album, 2009
* The Ambience Of A Dead Star – EP, 2010
* Them Bones / This Inner Soil – EP, 2010
* Warhead – EP, 2011
* Seven Bells – Album, 2012
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Dennoch kam die Band ca. 2009 wieder zusammen und hat inzwischen mehrere Live-Auftritte hinter sich. Hierbei helfen Mitglieder von Dødheimsgard aus. Des weiteren ist ein Album in Planung, welches sich stilistisch den bisherigen Veröffentlichungen unter Strid annähern soll.
Diskografie
* End of Life (Demo, 1993)
* Strid Debut (7" EP, 1994)
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Der Sound von Sturm Café orientiert sich sehr stark an DAF und Nitzer Ebb. Die Texte werden überwiegend in deutsch gesungen. . User-contributed text is available under the Creative Commons By-SA License; additional terms may apply.
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Die Band erfreut sich weltweit großer Beliebtheit. Sogar in Mexiko werden große Konzerthallen gefüllt. Ihr erstes Album wurde von Jon Caffery produziert, der bereits für Alben der Toten Hosen verantwortlich war.
Vor allem live weiß Tanzwut zu überzeugen: Auf aufwändige Bühnenshows, Outfits und Choreographien wird viel Wert gelegt.
Markenzeichen der Band ist das Mitglied „Teufel“: Er trägt zwar eine Glatze, hat aber an beiden Seiten seines Schädels zwei kleine rot gefärbte Haarbüschel, die er als Teufelshörner aufstellt.
Ihr Titel Eiserne Hochzeit ist eine der inoffiziellen Hymnen des Fußballvereines 1. FC Union Berlin und wird bei Heimspielen häufig im Stadion an der Alten Försterei gespielt.
Stil
Ihre Musik vereint Mittelalterrock mit Anleihen aus elektronischer Musik.
Seit Oktober 2010 gehen Corvus Corax und Tanzwut getrennte Wege . User-contributed text is available under the Creative Commons By-SA License; additional terms may apply.
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Geschichte
Die Gründungsphase bis zum ersten Album (1980-1981)
Steve Kilbey und Peter Koppes spielten bereits seit den frühen siebziger Jahren gemeinsam in verschiedenen Glam Rock-Bands in Sydney, Australien. Im April 1980 taten sie sich mit dem Schlagzeuger Nick Ward zusammen und hatten in dieser Dreier-Besetzung ein paar kleine Auftritte. Ergänzt durch den aus Liverpool stammenden Gitarristen Marty Willson-Piper gründeten sie schließlich The Church (deutsch: Die Kirche). Der Bandname wurde damals eher zufällig gewählt, da es ein Name war, den bisher keiner benutzte. Steve Kilbey sagt jedoch einmal, dass sie alle auf irgendeine Art spirituell seien, so dass diese Namenswahl offenbar doch nicht rein zufällig war. Als Musiker war zu diesem Zeitpunkt nur Peter Koppes technisch gut ausgebildet. Steve Kilbey war als Bassspieler sehr fehleranfällig und Marty Willson-Piper suchte noch seinen Stil und Platz in der Band.
In dieser Besetzung erstellten sie ein Demoband mit 4 Liedern, das auf hohem Niveau war. Aufgrund von Beziehungen aus Steve Kilbeys Vorgängerband Baby Grande gelang es, das Demoband der australischen Plattenfirma ATV Northern zukommen zu lassen. Während dort in einem Büro das Lied Chrome Injury des Demobandes abgespielt wurde saß der Chef des Labels, Chris Gilbey, im Büro nebenan und konnte das Lied hören. Er rannte hinüber und fragte „Was ist das?“ – und damit hatte die Band ihren ersten Plattenvertrag in der Tasche. Von diesem Demoband hat es nur Chrome Injury auf ein Album geschafft.
Die Studioaufnahmen für das erste Album Of Skins And Heart erfolgten spät im Jahre 1980. Chris Gilbey produzierte und Bob Clearmountain mischte die fertigen Bänder ab. Fast alle Stücke wurden von Steve Kilbey geschrieben. Die erste Singleauskopplung (und allererste Studioaufnahme der Band überhaupt) She Never Said kam im November 1980, noch bevor das Album veröffentlicht war, in Australien heraus, ging aber im Weihnachtsgeschäft unter. Im März 1981 erschienen dann, wiederum auch nur in Australien, das Album und die zweite Single The Unguarded Moment, die in den dortigen Charts bis auf Platz 22 stieg. Aufgrund dieses Erfolges ging die Band auf Australien-Tournee und brach dabei Hausrekorde.
Zum Zeitpunkt der Veröffentlichung des Albums war Nick Ward allerdings schon durch Richard Ploog ersetzt worden, veranlasst durch den Manager der Band. Richard Ploog kam aus Adelaide und hatte dort als Schlagzeuger schon Aufmerksamkeit erregt. Diese Besetzung bildete sozusagen die erste personell stabile Phase der Band.
Aufgrund des Erfolges in Australien wurden auch Plattenfirmen in Europa (Carrere) und den USA (Capitol) auf die Band aufmerksam, so dass dieses Album etwas später auch dort erschien. Es wurde dafür allerdings mit einem anderen Cover versehen, schlicht in The Church umbenannt und enthielt eine leicht veränderte Liedliste. Fälschlicherweise wurde auf dieser Version Richard Ploog als Schlagzeuger angegeben, obwohl er tatsächlich nur bei einem Lied gespielt hat. Von The Unguarded Moment erstellte Capitol in den USA eine um eine Minute kürzere Version, mit der die Band sehr unzufrieden war und die zu Spannungen zwischen der Band und Capitol führte.
The Blurred Crusade und Sing-Songs (1982)
Die ersten Lieder, die in der Besetzung mit Steve Kilbey, Peter Koppes, Richard Ploog und Marty Willson-Piper aufgenommen wurden, erschienen zunächst nicht auf einem Album, sondern als sogenannte Doppel-Single mit fünf Liedern. Darunter Tear It All Away, mit dem die Band eine deutliche Entwicklung hin zu komplexeren Gitarrenstrukturen ging und mit dem zum ersten Mal der typische Church-Sound zu hören war. Oder mit den Worten von Steve Kilbey in den Liner Notes zur Compilation Hindsight: „Der Sound von The Church fing mit diesem Lied an, sich zu formen.“ Mit Sisters war außerdem das erste Lied enthalten, das die Band gemeinsam komponiert hatte.
Beim zweiten Album The Blurred Crusade, das Anfang 1982 erschien, war Bob Clearmountain wieder der Mixer und trat diesmal auch als Produzent auf. Es war dabei musikalisch und stilistisch von einer Konsistenz und Komplexität, auf die das Vorgängeralbum nicht annäherungsweise hingedeutet hatte. Die Lieder waren elegant und edel abgemischt, die Gitarren verspielter und die Komposition ausgefeilter. Richard Ploogs weiches Schlagzeugspiel, das mehr Betonung auf die Toms legte, passte wesentlich besser zum sich entwickelnden Bandstil als das seines Vorgängers. Mit Almost With You gab es zudem die zweite Hit-Single der Band, die in den australischen Charts bis auf Platz 21 kletterte – sicherlich eines der typischsten Lieder von The Church aus dieser Phase.
Aufgrund des erneuten Erfolges ging die Band auf eine zweite Australien-Tournee. Auch in Europa erschien das Album und verkaufte sich so gut, dass Ende 1982 die erste mehrmonatige Tour durch Europa startete.
Die Band hatte 1982 außerdem 5 Demo-Stücke für ihr US-amerikanisches Label Capitol aufgenommen, das The Blurred Crusade nicht veröffentlicht hatte und weitere Aufnahmen der Band hören wollte. Dort konnte man mit diesen Demos jedoch nichts anfangen und ließ die Band fallen. Steve Kilbey wollte die Lieder aber trotzdem veröffentlicht haben, und so erschien Ende 1982 in Australien die EP Sing-Songs.
Im Vergleich zu The Blurred Crusade war diese EP eher spartanisch instrumentiert und abgemischt. Die EP ging mehr oder weniger unter, wurde später aber zu einer der meistgesuchten Platten der Band. Drei Stücke schafften es im Laufe der Jahre auf Compilations, aber erst 2001 waren mit der Veröffentlichung der CD Sing-Songs//Remote Luxury//Persia alle Stücke wieder auf einem Tonträger in der ursprünglichen Reihenfolge erwerbbar.
Seance und Remote Luxury (1983-1984)
Im Mai 1983 wurde Seance veröffentlicht, das 3. Album der Band. The Church produzierte erstmals selbst, der Mix jedoch wurde von Nick Launay durchgeführt und produziert. Er mischte über das Schlagzeug, vor allem über die Snare, einen leicht verzerrten, stakkato-artigen Sound, mit dem die Band nicht zufrieden war. Sie forderten Launay auf, die Stücke neu abzumischen, der diese Effekte aber nur ein bisschen zurückdrehte. Man kann das besonders auf Electric Lash sehr deutlich hören. Richard Ploog fand den Sound scheußlich, und die Band soll dazu gesagt haben, dass das Resultat nicht The Church wäre. Es enthält aber zum Beispiel mit Now I Wonder Why und Fly trotzdem einige Lieder, die als absolut typisch für The Church gelten. Insgesamt kam das Album nicht so gut an wie die Vorgängeralben, weil es düsterer und kryptischer war. Es verkaufte sich schlechter und die Leute fingen an, das Interesse an der Band zu verlieren. Die Musikpresse in Europa und den USA jedoch war begeistert, und das Creem Magazine in den USA betitelte die Band als eine der besten der Welt.
Steve Kilbey schrieb für Seance immer noch fast alles selbst und hatte dafür insgesamt 20 Stücke zu Hause auf seiner 4-Spur-Maschine aufgenommen. Er ermutigte die anderen Bandmitglieder jedoch, eigene Lieder zu komponieren. Ihm war klar, dass es auf die Dauer nicht gut gehen kann, wenn die anderen Bandmitglieder immer gesagt bekommen, was sie spielen sollen. Am Ende gelangte aber trotzdem nur 1 Stück auf das Album, das nicht nur von ihm geschrieben war: das sehr experimentelle Travel By Thought. Kilbey und Willson-Piper hatten für dieses Album auch das Stück 10000 Miles gemeinsam komponiert, es wurde vom Plattenlabel jedoch als unbrauchbar angesehen – was Kilbey sehr verärgerte, das er das Lied als essentiellen Bestandteil des Albums ansah. Später kam es dann aber doch noch auf dem Album Remote Luxury heraus.
1984 wurden die beiden EPs Remote Luxury und Persia in Australien veröffentlicht, waren jedoch nicht sonderlich erfolgreich. Im Vergleich zu Seance waren die Lieder weniger düster, sondern poppiger, und wurden durch die Keyboards des Gastmusikers Craig Hooper ergänzt. Mit No Explanation gab es sogar so etwas wie einen fröhlichen, lockeren Sommersong. Maybe These Boys ist wiederum eines der ungewöhnlichsten Stücke der Band und wird in Fankreisen und von der Band als misslungen angesehen. Wieder wurden fast alle Stücke nur von Kilbey geschrieben.
Außerhalb Australiens kamen diese beiden EPs zusammen als ein Album heraus, das den Titel Remote Luxury trug. In den USA war das die erste Veröffentlichung seit dem Debutalbum. Aufgrund des dort geweckten Interesses folgte die erste Tournee durch die USA im Oktober/November 1984. In New York und Los Angeles kame jeweils 1000 Besucher pro Auftritt, in anderen Teilen dagegen teilweise nur 50. Die Tour lief daher finanziell nicht besonders gut – die Band fuhr pro Woche einen Verlust von 11.000 Dollar ein (ob australische oder US-Dollar ist nicht klar).
Insgesamt war die Band 1984 auf ihrem ersten kleineren Tiefpunkt angelangt. Die Erfolge der ersten beiden Alben hatten sich nicht wiederholen lassen und die Kreativität der Band ließ nach. Steve Kilbey ist der Ansicht, Seance und Remote Luxury hätten bessere Alben werden können als sie es tatsächlich waren. Sein Songwriting sei damals schlechter geworden, die Band habe schlechter gespielt und sie seien in einem Meer von Apathie und nachlassendem Enthusiasmus versunken.
1985 wurde es dann zunächst ruhig um die Band. Die einzelnen Bandmitglieder verbrachten ihre Zeit in Stockholm, Sydney und auf Jamaika. So war die einzige Veröffentlichung des Jahres das erste Solo-Werk von Steve Kilbey: die Single This Asphalt Eden.
Heyday (1986)
1986 erschien mit Heyday eine Platte, mit der eine Vollendung des individuellen Stils angestrebt war. Übersetzt bedeutet das etwa Blütezeit oder Hochgefühl und drückt damit treffend aus, dass die Band mit diesem Album ihre volle Kreativität wiedererlangt hatte. Zum ersten Mal wurden fast alle Lieder von der Band gemeinsam geschrieben. Produzent Peter Walsh hatte die Stilelemente geschickt zusammengemischt und einen sehr warmen, organischen Sound produziert. Unterstrichen wurde dieser Sound durch den Ersatz der Keyboards aus den Vorgängeralben durch echte Streicher und Bläser. Viele Feinheiten der Stücke erschlossen sich erst nach mehrmaligem Anhören. Aus künstlerischer Sicht war es das bis dahin ausgereifteste Album der Band, und stilistisch ebnete es den Weg für die nachfolgenden Alben.
Nachdem es auch in Europa und den USA herausgekommen war wurde es von der dortigen Musikpresse als Klassiker bezeichnet. Im April 1986 begann die Band eine mehrmonatige Tournee durch diese Gebiete. Dabei verließ Marty Willson-Piper für eine Woche die Band, so dass der Auftritt am 10. Juli 1986 in Hamburg ohne ihn stattfand. Die Gründe dafür waren Spannungen innerhalb der Band, die sich aufgrund vieler kleiner Frustrationen während der langen Europa-Tournee aufgebaut hatten.
Auch dieses Album war in Australien kommerziell nicht erfolgreich genug, und als Folge davon ließ EMI die Band fallen. Die Pläne des Plattenlabels für eine Live-Doppelalbum namens Bootleg wurden ebenfalls gestrichen. Die Situation der Band stellte sich in Australien als zunehmend schwierig heraus. Sie waren in den USA und Europa wesentlich erfolgreicher. Ein Wunsch der Band war es schon seit längerem gewesen, in Europa aufzunehmen – nicht aufgrund anderer technischer Möglichkeiten, sondern wegen der anderen Atmosphäre. Und mit dem Verlust des Vertrages mit EMI ergab sich nun die Möglichkeit, wenn auch nicht in Europa, so doch in den USA: Arista nahm die Band 1987 für 4 Alben unter Vertrag. Auch andere Plattenlabel hatten Interesse gezeigt, das Angebot von Arista war für die Band jedoch am attraktivsten.
Starfish (1988)
1988 war das Jahr des großen kommerziellen Erfolges der Band. Mit dem Album Starfish und der Single Under the Milky Way gelang ihnen ihr bisher größter Hit, der weltweit in verschiedensten Charts vertreten war. Das Lied war und ist eines der für eine breitere Masse zugänglichsten Lieder, das die Band je geschrieben hat. In den USA war es ein Dauerbrenner in den College-Radiosendern. 1989 wurde es als beste Single mit dem ARIA-Award der Australian Recording Industry Association ausgezeichnet. Der warme, weiche Mix des Liedes kombinierte die sonore Stimme Kilbeys geschickt mit der eingängigen Akkordfolge der Akustikgitarre, dem zurückhaltenden Schlagzeug und der verspielten E-Gitarre. Die ansonsten eher kryptischen Texte Kilbeys erwiesen sich hier als Glücksfall: der Refrain war mit dem Text „Wish I knew what you were looking for, might have known what you would find“ einerseits offen und interpretierbar. Andererseits hatte er aufgrund seiner Einfachheit sowie der Bilder und Emotionen, die beim Hörer ausgelöst werden konnten, einen hohen Wiedererkennungs- und Identifikationswert.
Dieser große Erfolg kam überraschend, auch wenn die Produzenten das Potential des Liedes erkannt und ihm besonders viel Aufmerksamkeit geschenkt hatten. Kilbey hat mehrfach betont, dass es nicht gezielt Hits schreiben könne. Wenn er wüsste wie, würde er es tun. Und als er es mal versucht habe sei es ein totaler Misserfolg gewesen. Er weigert sich jedoch zu sagen, welches Album und welche Stücke er damit meint.
Das Album wurde in Los Angeles von Waddy Wachtel und Greg Ladanyi produziert, aufgenommen und abgemischt. Die Zusammenarbeit mit ihnen war für die Band eine große Herausforderung, da es eine Reihe von Konfliktebenen gab. Kilbey: „Das war australische Hippies gegen Westküsten-Leute, die genau wissen, wie sie die Dinge erledigt haben wollen. Wir waren undisziplinierter als ihnen lieb war.“ Kilbey sieht das aber nicht als Nachteil an, sondern als eine aufgrund dieser Konflikte fruchtbare Zusammenarbeit, die das Album sehr positiv beeinflusst habe: „Ich glaube nicht, dass wir beste Freunde wurden. Aber das ist nicht das Entscheidende. Entscheidend ist das Album. Die Idee war, all ihr Wissen zu nutzen um das Album zu machen, das wir schon immer machen wollten.“ Sie waren durch die Produzenten auch dazu gebracht worden, Techniken zu benutzen, die sie vorher vermieden hatten. Unter anderem musste Steve Kilbey Gesangsunterricht nehmen, was seiner Stimme sehr zugute kam. Rückblickend hält Kilbey diese Gesangsstunden für sehr wichtig, weil er dadurch eine Menge darüber lernte, was man mit seiner Stimme machen kann. Er bis dahin davon ausgegangen, alles über Gesang zu wissen und nichts dazulernen zu können, so dass er durch diese Erfahrung auch für andere Bereiche eine neue Offenheit an den Tag legte.
Der Aufenthalt der Band in Los Angeles war eine weiterer Aspekt, der das Album stark beeinflusst hat. Dazu Steve Kilbey: „The Church kamen nach Los Angeles und lehnte sich gegen den Ort auf weil uns niemand wirklich mochte. Ich hasste wo wir lebten, ich hasste dieses scheußliche rote Auto, mit dem ich auf der falschen Straßenseite herumfahren musste. Ich hasste, dass niemand zu Fuß unterwegs war, und ich vermisste mein Zuhause.“ Und weiter: „Ein Großteil der Texte von Reptile, Lost, Destination und North, South, East, West ist davon beeinflusst.“
Im Vergleich zu Vorgängeralben konzentriert sich der Sound von Starfish wieder deutlicher auf die Gitarren. Kilbey: „Die elektrische Gitarre ist das ausdrucksstärkste Instrument, das es gibt. Die ganzen Keyboards, Bläser und Streicher haben unsere vorherigen Alben ruiniert.“ Die Produktion dauerte länger als bei den anderen Alben und die Aufnahmen wurden nach einer langen Probephase von 4 Wochen überwiegend live durchgeführt. Ziel war es, den Live-Sound der Band, der wesentlicher dynamischer ist als der Sound der Studioalben, so gut es geht einzufangen. Aus Sicht der Band wurde dieses Ziel nur zum Teil erreicht. Willson-Piper sagt dazu, das der entscheidende Unterschied zwischen einem echten Live-Auftritt und dem Versuch, eine entsprechende Atmosphäre auf einem Studioalbum herzustellen, die Tatsache sei, dort zu sein – den Auftritt in dem Moment zu sehen und zu hören, in dem er geschieht. Den Mix des Albums hält die Band insgesamt für nicht so gelungen, da dieser relativ simpel und nicht so mehrschichtig sei wie bei Heyday oder Priest=Aura.
“One straight from the factory“ – Gold Afternoon Fix (1990)
Beflügelt vom Starfish-Erfolg ging die Band nach einer äußerst aufreibenden, neunmonatigen Welttournee wieder ins Studio. Arista erwartete ein ebenso erfolgreiches Nachfolgealbum. War Under the Milky Way ein Zufallshit, so wurde diesmal genauer geplant. Der ehemalige Led Zeppelin-Bassist und –Arrangeur John Paul Jones war an die Band herangetreten und erklärte sich bereit, zu produzieren. Jones galt bereits als höchst innovativer, anspruchsvoller Produzent, der sich auch entsprechend rar machte. Die Band war begeistert, doch die Plattenfirma untersagte ihnen, mit Jones aufzunehmen. Da man den Erfolg von Starfish reproduzieren wollte, sollten The Church erneut im kalifornischen Los Angeles mit Waddy Wachtel aufnehmen.
Das neu entstehende Songmaterial unterscheidet sich deutlich von den Starfish-Stücken. Es dominiert natürlich wieder das Zusammenspiel der Gitarristen. Statt der dichten, psychedelischen Arrangements auf Starfish erscheinen die neuen Stücke durchsichtiger, sparsamer arrangiert. Verstärkt setzten sie Akustikgitarren ein, was zu einem insgesamt sanfteren Klang führte. Dieser wurde jedoch auf einigen Songs mit Ambient-Klangeffekten angereichert, die aus einem David-Lynch-Film hätten stammen können: klirrendes Metall, Windrauschen und quietschende Maschinenteile. Steve Kilbeys Texte hatten diesmal jedoch eine ganz andere Färbung, als die von Fernweh und Geheimnis geprägten Texte des Vorgängeralbums. Das Eröffnungsstück Pharoah [sic!] ist eine pechschwarze, kaum verklausulierte Auseinandersetzung mit den Erfolgsmechanismen der Musikbranche. Auch auf anderen Stücken lässt sich ein resignierender Ton feststellen (Monday Morning). Dazu kommen von Science Fiction (Essence) und Drogen (Terra Nova Cain) inspirierte Passagen, die Kilbey frei assoziativ verknüpft.
Während der Aufnahmen zu dem Album, das Gold Afternoon Fix werden sollte, wurde mehr und mehr deutlich, dass Schlagzeuger Richard Ploog zu einem Unsicherheitsfaktor geworden war. Alle Bandmitglieder hatten nie ein Geheimnis daraus gemacht, dass Drogen im kreativen Prozess von The Church eine wichtige Rolle spielten. Ploogs Drogenabhängigkeit und ein sich rapide verschlechterndes Verhältnis zu Kilbey führten dazu, dass er von den Aufnahmen praktisch ausgeschlossen wurde. Ploog wurde nicht durch einen Session-Drummer oder eine neue Festbesetzung ersetzt, sondern Wachtel ließ seine Schlagzeug-Sounds sampeln. Aus den digital gespeicherten Drumsounds wurde auf den meisten Liedern die Schlagzeugspur konstruiert. Der offizielle Standpunkt der Band ist heute, dass auch die anderen Mitglieder eher widerwillig an die Arbeit gegangen waren: Willson-Piper war im Begriff, Vater zu werden und Kilbey war von Beziehungsproblemen gebeutelt.
Das Ergebnis dieser Widrigkeiten ist eine Platte, die weder den Erfolgserwartungen noch den Ansprüchen der Band gerecht wurde. Gold Afternoon Fix warf mit Metropolis und dem zynischen You're Still Beautiful zwei kleinere Hits ab, die jedoch beide nicht im entferntesten an den Erfolg von Under the Milky Way und Starfish anschließen konnten. Trotzdem wurden allein in den USA mehr als 200000 Exemplare des Albums verkauft. Der starke geschäftliche Druck und die privaten Probleme hatten aber ihre Spuren hinterlassen. Bandinterviews aus dieser Zeit zeigten dazu mehr als einmal eine äußerst gereizte Band. Vor allem Steve Kilbey vergraulte durch seine schlichte Weigerung, längere, zusammenhängende Antworten auf Fragen zu geben, zahlreiche Journalisten, was in einem gemischten Presse-Echo resultierte.
Nach der Veröffentlichung ging die Band gut zwei Jahre lang auf Tournee. Richard Ploogs Platz am Schlagzeug übernahm Patti-Smith-Drummer Jay Dee Daugherty (Smith’ Karriere hatte seit 1988 geruht). Kilbey bewertete Gold Afternoon Fix schon bald darauf als eine „sehr gewöhnliche, uninspirierte“ Platte. „Sie war irgendwie zusammengeschustert und wir haben sie mit einem Produzenten gemacht, mit dem wir eigentlich nicht arbeiten wollten, wir waren an einem Ort, an dem wir nicht sein wollten; so ist das alles einfach auseinandergefallen und sie war ganz einfach eine miserable Platte.“
Das Opus Magnum: Priest=Aura (1992)
Die Arbeit am Folgealbum gestaltete sich nach dem Desaster von Gold Afternoon Fix sehr entspannt. Da der Erfolgsdruck nach der kommerziell enttäuschenden Album eher niedrig war und die Band nicht mehr um jeden Preis einen Hit landen musste, ließ man sie im wesentlichen unbeobachtet. Jeden Tag traf man sich im Studio 301 in Sydney und improvisierte. Aus einer Vielzahl von Fragmenten, Ideen und Akkordwechseln kristallisierten sich einzelne Songs heraus, an denen dann gefeilt wurde. Willson-Piper schlug dazu vor, die Lieder mit kryptischen Ein-Wort-Namen zu benennen, die dem Hörer schon beim Lesen zum Herstellen von Assoziationen anregen sollten. Über die Improvisationen führte der schottische Produzent Gavin MacKillop Aufsicht. Die Bandmitglieder äußerten sich schon während der Arbeit sehr zufrieden mit Songmaterial und Produktion. Nach drei Monaten war das Album fertiggestellt. Der mysteriöse Titel Priest=Aura (lies: „priest equals aura“) war zufällig entstanden: ein spanischsprechender weiblicher Fan hatte sich mit Kilbey unterhalten und ihm fiel auf, dass die Frau ein englisches Vokabelheft führte, in dem „priest = cura“ eingetragen war. Kilbey hatte „cura“, das spanische Wort für „Priester“ schlicht falsch als „aura“ gelesen. Da die Betitelung der Songs ohnehin frei assoziativ war und Kilbey die Rolle des ungesteuerten Zufalls bei der Entstehung von Texten und Musik stets betonte, passte Priest=Aura ins Konzept.
Priest=Aura übertraf in den Dimensionen jedes bis dahin entstandene Church-Album. Es enthielt 14 Songs mit einer durchschnittlichen Spieldauer von gut sechs Minuten, dazu zwei Miniaturen unter zwei Minuten und das ausufernde, neunminütige Noise-Experiment Chaos. MacKillop hatte die Band dazu angeregt, die Stücke in absoluter Freiheit aufzubauen und ermutigte sie zu Experimenten. Nicht zu unterschätzen ist der kreative Input von Jay Dee Daugherty, der nicht nur Schlagzeug, sondern auch Bass und Keyboardstimmen beitrug. Sein Spiel unterscheidet sich massiv von Richard Ploogs recht geradlinigem Stil. Daugherty verwendet das Schlagzeug wie ein orchestrales Instrument und spielt sehr detailreich, mit vielen off-beats und Perkussionsinstrumenten, was die ausgefeilten Gitarrensätze von Koppes und Willson-Piper ergänzt. Willson-Pipers Spiel hatte eine andere Qualität erreicht, möglicherweise durch die Erfahrungen bei All About Eve bedingt, bei denen er seit 1991 festes Bandmitglied war. Auf deren 1991er Album Touched By Jesus arbeitete Willson-Piper bei 2 Stücken mit David Gilmour zusammen, was diese neue Qualität erklären könnte. Um auch als Sologitarrist einen orchestralen Sound zu erreichen, hatte Willson-Piper auf Priest=Aura mit verschiedensten Effektgeräten experimentiert. Besonders auffällig ist der Einsatz eines Volume-Pedals, mit dem er Einzelnoten und Akkorde stufenlos ein- und ausblenden konnte und das auf dem Album stilbildend ist. Koppes sorgte hingegen für einen elegischen, streicherartigen Hintergrund und düster-rockige Rhythmen.
Vom Standpunkt einer Major-Plattenfirma musste Priest=Aura im Vergleich zu Starfish als Flop gelten. Die Band selbst bezeichnet die Platte jedoch noch heute unverändert als künstlerischen Triumph und definitives Church-Album. Obwohl die Konzerte recht erfolgreich waren, sollte es bald nach Priest=Aura zum größten Einschnitt der Bandgeschichte kommen. Angesichts der desolaten Finanzlage war Daugherty nicht dazu bereit, festes Mitglied zu werden. Nach der Tour stieg auch Gründungsmitglied Peter Koppes aus. Kilbey mutmaßte: „Er hatte genug. Er hatte die Nase voll. Was letztendlich den Ausschlag gab war, dass wir getourt sind und es war komplett ausverkauft. Jede Nacht ausverkauft. Und dann beenden wir die Tour, es ist trotzdem kein Geld da und Peter fragt sich ‚Warum mach ich das eigentlich?‘ Ich meine auch, dass er glaubte, einen Durchbruch als Solo-Künstler schaffen zu können, aber ich denke nicht, dass das so gelaufen ist, wie er sich das ausgedacht hatte.“ Einen weiteren sehr wichtigen Grund für den Ausstieg sieht Kilbey in der unterschiedlichen Rezeption der Persönlichkeiten von Koppes und Willson-Piper, und wie sich dies in Rezensionen und Artikeln niederschlägt. Koppes ist der eher ruhige und zurückhaltende, während der Showman Willson-Piper vor allem live auf der Bühne auffälliger ist. Konkret zeigte sich diese Rezeption in den Liner Notes zu dem Best-Of-Album Almost Yesterday, in denen Koppes beschuldigt wurde, er wäre während des ersten Alben der Band in einer Blues-Band besser aufgehoben und Willson-Piper der entscheidende Gitarrist gewesen. Kilbey betont, dass gerade Koppes in der Anfangszeit der mit Abstand fähigste Musiker von ihnen gewesen sei. Schrieb Kilbey die Songs, war Koppes der Hauptverantwortliche für das Arrangement der früheren Platten.
Zeit des Übergangs I: Sometime Anywhere (1994)
Zunächst wurde wieder eine Phase mit vielen Soloprojekten eingelegt. Koppes versuchte sich an einer Solokarriere und scharte eine neue Band namens The Well um sich. Mit The Well verwirklichte er nach dem hochkomplexen Priest=Aura eher simple, psychedelische Rocksongs. Willson-Piper nahm mit All About Eve das Album Ultraviolet auf. Es führte die psychedelischen Experimente von Priest=Aura fort, verband sie mit Shoegazing-Elementen und bedeutete für All About Eve den kommerziellen Tod. Kilbey arbeitete mit Grant McLennan an einem zweiten Jack Frost-Album namens Snow Job, das erst 1996 erschien.
Kilbey und Willson-Piper beschlossen, The Church als Zwei-Mann-Projekt unter Einbeziehung von Gastmusikern weiterzuführen. Immer noch mit einem Plattenvertrag im Rücken bauten sie Songs auf einem neuen Prinzip auf. Jeder Musiker spielte eine Vielzahl von Spuren ein, von denen schließlich eher etwas subtrahiert wurde. Diese Arbeitsmethode verglichen die Musiker mit der Schaffensweise eines Bildhauers. Sie strebten eine Neuerfindung des Church-Sounds an – offen für unterschiedliche Stile, freie Songstrukturen und unkonventionelle Instrumentierung. Marty Willson-Pipers Jugendfreund Andy Mason, der schon dessen Soloalben produziert hatte, ergänzte das Produktionsteam. Zahlreiche Sessionmusiker erweiterten die Klangpalette. Folgenreich sollte die Berufung des neuseeländischen Drummers Tim Powles sein, der schon beim Jack Frost-Projekt getrommelt hatte und später festes Mitglied von The Church werden sollte.
Obwohl Sometime Anywhere von der Kritik weitgehend positiv aufgenommen wurde, wurde die Fangemeinde durch die Dominanz elektronischer Experimente eher abgeschreckt. Einen Gegensatz zum komplexen Sound der Platte bildete die Tournee. Ursprünglich waren ausgewachsene Konzerte mit Kilbey, Willson-Piper und Gastmusikern an Klavier, Schlagzeug und Violine geplant. Nachdem absehbar war, dass auch Sometime Anywhere floppen sollte, war die Band jedoch ihren Plattenvertrag und finanzielle Unterstützung los. Kilbey und Willson-Piper zogen daher als Akustikgitarren-Duo durch kleine Clubs und Kneipen.
Zeit des Übergangs II – Die Krise: Magician Among The Spirits (1996)
Nach dem Verlust des Plattenvertrages schienen The Church am Ende zu sein. Kilbey und Willson-Piper begannen jedoch auch ohne Vertrag mit neuen Aufnahmen. Das Konzept eines Kernduos mit Gastmusikern wurde weitergeführt und führte 1996 zu der Veröffentlichung des Albums Magician Among The Spirits auf dem eigenen Label Deep Karma. An diesem Album wirkten unter anderem die Utungan Percussionists, die Geigerin Linda Neil und wiederum Tim Powles mit. Dass Peter Koppes auf drei Songs als Gastmusiker und Co-Autor aufgeführt war, löste in Fankreisen Spekulationen über eine Rückkehr des Gitarristen aus.
Magician Among The Spirits wird von Steve Kilbey heute als „a load of tripe“ (= idiomatisch, etwa „eine Wagenladung Scheiße“) bezeichnet. Das Album weist aber deutlich auf eine erneute Rückkehr zu gitarrendominierten Arrangements hin. Neu ist der stärkere Krautrock-Einfluss. Das Titelstück von gut einer Viertelstunde Laufzeit kombiniert psychedelische Gitarrenklänge mit Ambient-Music. Die Platte enthielt erstmals seit 1982 eine Coverversion – mit Ritz nahmen The Church ihre Variante eines Steve Harley-Songs auf. Der Produzent Simon Polinski, der sich vor allem mit der Aboriginal-Band Yothu Yindi einen Namen gemacht hatte, produzierte dieses Gitarrenalbum im Grunde wie eine Ambient-Platte. Aufsehen erregte vor allem die Single Comedown, die an den reinen Gitarrenklang der Blurred Crusade-Ära erinnerte.
Das Album war schon allein dadurch zum Scheitern verurteilt, dass es über praktisch keinen Vertrieb außerhalb Australiens verfügte. In Amerika und Europa war die Platte schon kurz nach Veröffentlichung wieder aus den Katalogen gestrichen worden. Der amerikanische Vertrieb machte pleite, so dass die Band um zahlreiche Kopien der CD kam, ohne bezahlt zu werden. Insgesamt lieferte die Band 25000 CDs an den amerikanischen Vertrieb, wofür sie 250000 australische Dollar bekommen sollte. Die genauen Zahlen der Verluste für die Band sind nicht offiziell bekannt und unter den ehemaligen Mitarbeitern und dem Chef des damaligen Vertriebs umstritten, gehen aber mindestens in die zehntausende, möglicherweise aber bis 200000 australische Dollar. Für eine kleine Band wie The Church bedeutete dies fast den Todesstoß.
Insgesamt befand sich die Band, oder was davon übrig war, zu diesem Zeitpunkt am absoluten Tiefpunkt ihrer Karriere. Dazu Kilbey im Mai 1996: „Dies könnte sehr gut das Ende sein. Die Dinge brechen auseinander. Der Kern zerfällt. Unser Management, die ganze Sache ist zusammengebrochen. (…) Wir haben keinen Plattenvertrag. Man schuldet uns sehr viel Geld und wir sind pleite. Wir versuchen über Anwälte dieses Geld wieder zu bekommen. Marty und ich haben keinen Kontakt mehr. Niemand managt uns im Moment. Dies könnte also wirklich das letzte Album gewesen sein.“
Magician Among the Spirits gilt als Werk des Übergangs. Zum einen war Peter Koppes wieder in der Band präsent, zum anderen stellte sich immer deutlicher heraus, dass Tim Powles permanentes Mitglied geworden war und ein Schritt zurück vom Projekt zur Band möglich wäre. Die ungünstigen Umstände stellten diese Entwicklungen jedoch vorerst in Frage.
Konsolidierung (1998-2001)
Erneut folgte eine aktive, von Soloarbeiten ausgefüllte Phase. Der Workaholic Willson-Piper arbeitete innerhalb eines Jahres mit Brix Smith (The Fall, Adult Net), Linda Perry (4 Non Blondes), Cinerama und dem eigenen Projekt Seeing Stars (in der Besetzung von All About Eve ohne Sängerin Julianne Regan). Dazwischen entstanden Songs für ein Soloalbum. Kilbey schrieb den Soundtrack für den australischen Film Blackrock und nahm mit seinem Bruder Russell ein Ambient-Album namens Gilt Trip auf. Folgenreicher sollte ein Projekt werden, welches im Prinzip The Church ohne Marty Willson-Piper war. Zusammen mit Tim Powles und Peter Koppes nahm Kilbey in wenigen Sessions genügend Material für eine komplette CD auf, die 1997 unter dem Bandnamen The Refo:mation und dem exzentrischen Titel Pharmakoi/Distance-crunching honchos with echo units erschien. PDCHWEU, wie die CD in Fankreisen genannt wird, bündelte die ausufernden psychedelischen Experimente von Magician Among the Spirits in knapperen Songs. Peter Koppes erhielt viel Raum für sein Gitarrenspiel und zeigte, dass sein filigraner, klangflächenbetonter Stil durchaus ein Album zu tragen vermochte. Nach Aussage Kilbeys wurde dieses Album nur aus Freundlichkeit gegenüber Willson-Piper nicht unter dem Namen The Church veröffentlicht.
Es war vor allem Schlagzeuger Tim Powles, der die Band überzeugte, wieder zusammenzuarbeiten und aktiv die Spannungen zwischen den Mitgliedern zu beseitigen versuchte. Koppes und Willson-Piper waren sich nicht mehr grün gewesen, da zumeist Willson-Piper im Mittelpunkt des öffentlichen Interesses stand. Und auch Kilbey und Willson-Piper hatten ihre Zusammenarbeit beendet. Mehrere erfolgreiche Konzerte in voller, elektrischer Besetzung folgten, doch Steve Kilbey gab dennoch das bevorstehende Ende der Band bekannt: ein würdiges Abschlussalbum sollte es geben und The Church damit endgültig beigelegt werden. Dieses Album sollte laut Kilbey ihr „Dark Side Of The Moon“ werden und trug den Arbeitstitel Au Revoir Por Favor. Das Abschiedskonzert in Sydney war jedoch ein so durchschlagender Erfolg, dass vom Ende der Band nicht mehr die Rede war.
Das entstehende Album sollte zunächst Bastard Universe heißen, was Willson-Piper aber zu negativ war. Man entschied sich schließlich für den Titel Hologram Of Allah. Aus Sorge über eine mögliche Fatwa änderte sich der Titel dann noch einmal in Hologram Of Baal. Das Album war die erste komplett selbstproduzierte Platte (Tim Powles hatte Erfahrungen als Produzent gesammelt und war im Begriff, sein eigenes Studio aufzubauen). Hologram Of Baal ist eine Rückkehr zum Song und zum klassischen Church-Sound, nimmt aber verstärkt Einflüsse der 1970er Jahre mit auf. Diese Platte enthält mit Glow Worm – nach 18 Jahren Bandgeschichte – das erste reine Liebeslied aus Kilbeys Feder. Eine limitierte Auflage enthielt die fast 80minütige Bonus-CD Bastard Universe – eine mitgeschnittene Jam-Session, die an den psychedelischen Prog- und Krautrock der 1970er Jahre erinnerte.
Nicht einmal ein Jahr später erschien die nächste Platte – das Cover-Album Box Of Birds. Coverversionen waren bis auf zwei Ausnahmen kaum auf den regulären Alben vertreten; auf Konzerten spielten The Church aber nicht selten Versionen fremder Songs, etwa T.Rex’ Life’s a gas, Patti Smiths Dancing Barefoot, Neil Youngs Cortez the Killer oder Hawkwinds Silver Machine. Eigentlich hatten sie ein Live-Album geplant. Dieser Plan ist allerdings bis heute nicht verwirklicht worden. Weiterhin sollten zwei Coverversionen exklusiv im Fanzine North, South, East and West veröffentlicht werden. Nachdem die Live-Platte trotz vorhandenen Materials storniert worden war, beschloss die Band, weitere acht Cover aufzunehmen und ein komplettes Album zu veröffentlichen. Die ungewöhnliche Auswahl der Songs wirft ein überraschendes Licht auf Lieblingsplatten und Einflüsse: psychedelische Musik der sechziger und siebziger Jahre, Glam, Post Punk und Prog. Die ausgewählten Künstler: The Sensational Alex Harvey Band, The Beatles, Ultravox, Iggy Pop, Mott the Hoople, Hawkwind, Neil Young, Kevin Ayers, Television, The Monkees. Box Of Birds verfügt über zehn verschiedene Covermotive, von Fans gestaltet.
Die Tournee wurde weitergeführt. Dabei erschien im Oktober 1999 Steve Kilbey nicht zu einem Konzert im New Yorker Ballroom. Er war verhaftet worden, als er versuchte, auf der Straße Heroin zu kaufen. Die übrigen Bandmitglieder spielten das Konzert trotzdem: Willson-Piper spielte ein kurzes Solo-Set, dann traten die übrigen Musiker auf; ein Roadie übernahm die Bassparts und Willson-Piper improvisierte sich durch Kilbeys Texte. Kilbey verbrachte eine Nacht im Gefängnis und wurde dazu verurteilt, einen Tag lang die U-Bahn-Stationen in Manhattan zu säubern. „Jeder alternde Rockstar sollte doch mindestens einmal wegen Drogen eingesessen haben”, äußerte sich Kilbey später.
Neue Strategien und kreatives Spätwerk ab 2002
Die Aufnahmen zum folgenden Studioalbum gestalteten sich ausgesprochen langwierig, da die Musiker wieder zahlreiche Projekte verfolgten. Willson-Piper trat erneut mit den reformierten All About Eve auf; die Neuauflage war jedoch nur kurzlebig und führte aufgrund künstlerischer und persönlicher Differenzen zu keinem neuen Studiomaterial. Dazu veröffentlichte er nach fünf Jahren sein Soloalbum Hanging Out In Heaven. Auch Koppes trat mit einem ruhigen, sparsam arrangierten Album namens Simple Intent hervor. Erst im Januar 2002 erschien das nächste reguläre Album von The Church, After Everything Now This. Teils in Schweden, teils in Australien aufgenommen, war es wesentlich ruhiger gehalten als die Vorgänger. Die Gitarristen experimentierten mit ruhigen Klangflächen, die durch zahlreiche Effekte ganz allein auf den Gitarren realisiert worden waren. Erneut gingen The Church auf Welttournee; jedoch verzichteten sie im wesentlichen auf E-Gitarren und spielten mit verstärkten, effektbeladenen Akustikgitarren und dem Gastpianisten David Lane.
Tim Powles arbeitete zusammen mit Künstlern aus Sydney an Remixen sämtlicher Songs von After Everything Now This, die Ende 2002 als Parallel Universe erschienen (eine zweite CD enthielt Restmaterial der Aufnahmesessions). Zurück in Australien gingen sie unmittelbar an die Aufnahme eines weiteren Albums, das bereits im Herbst 2003 in Australien veröffentlicht wurde: Forget Yourself. Diese Album reflektierte beinahe sämtliche von The Church bis dahin gepflegten Stil-Spielarten in dreizehn Lieder. Insgesamt war der Klang deutlich härter und rauer, da Forget Yourself – nach den üblichen vorausgehenden Improvisationen – so gut wie live mit nur wenigen Overdubs aufgenommen wurde. Die Kritik hob den frischen, monumentalen Klang und die enzyklopädische und doch ökonomische Verwendung ungewöhnlicher Gitarreneffekte hervor.
Bei Live-Auftritten oder im Studio wurde inzwischen gelegentlich die gewohnte Instrumenten- und Rollenverteilung aufgelöst und die Instrumente getauscht. Als Beispiel seien die Aufnahmen zu Forget Yourself genannt, wo bei Sealine eine Gitarre vom Schlagzeuger Tim Powles gespielt wurde und bei Maya Gitarrist Marty Willson-Piper das Schlagzeug bediente. Ein weiteres Beispiel sei die Tournee 2002, dort wurde beim Stück Magician Among the Spirits der Bass von Marty Willson-Piper gespielt und eine Gitarre von Kilbey.
The Church hatten seit 2001 mit dem amerikanischen Marketing-Professor und Church-Fan Kevin Lane Keller zusammengearbeitet, der die bis dahin desaströs gemanagte Band in ihren geschäftlichen Strategien beriet. Sie nutzen seither die Stärken des Independent-Systems, die sie mit neuen Vertriebswegen über das Internet kombinieren. Dazu wurde auf eine größere Konzertpräsenz, mannigfaltige Projekte und die Konzentration auf das ‚Stammland’ Australien gesetzt. Hinzu kamen von nun an zahlreiche Veröffentlichungen, die die regulären Studioalben begleiteten: die Jam-Session-CD Jammed mit zwei langen Improvisationen, die Outtake-Sammlung Beside Yourself (die dennoch mit komplett neuen Songs aufgewertet wurde) und das Akustikalbum El Momento Descuidado (schlechtes Spanisch für den Titel ihres ersten Hits, The Unguarded Moment). El Momento Descuidado war dabei keine bloße Unplugged-CD. In akustischer, kammermusikalischer Besetzung wurden vielmehr verschiedene Songs aus zwanzig Jahren zum Teil radikal umgebaut. Erstmals interpretierten sie auch wieder The Unguarded Moment (freilich in stark veränderter Form), einen Song, vor dem sie sich schon in den achtziger Jahren distanziert hatten. In rein akustischer Besetzung, mit Peter Koppes am Klavier, spielten sie Ende 2004 mehrere ausgesprochen erfolgreiche Konzerte. 2005 wurde El Momento Descuidado in der Kategorie Best Adult Contemporary Album für die australischen ARIA-Awards nominiert, gewann jedoch nicht.
Ende 2005 erschien das Album Back With Two Beasts, das als Nachfolger zu Jammed auch mit dem Untertitel Jammed II angekündigt worden war. Im Gegensatz zu Jammed enthielen die Stücke jedoch Gesang und beschränkten sich, bis auf eine Ausnahme, auf Liedlängen von unter 7 Minuten . Obwohl die Instrumente tatsächlich in Jam-Sessions aufgenommen worden waren fiel dies bei den Stücken kaum auf, da ihre Struktur sich deutlicher an diejenige der regulären Alben anlehnte und weniger den für Jam-Sessions typischen Charakter des Zufälligen hatte. Die Überraschung in der Fangemeinde darüber, mit Back With Two Beasts von Aufbau und Klang eher ein reguläres Album in der Hand zu haben, war sehr groß und sie nahm es enthusiastisch auf. Es war, genau wie zuvor Jammed, nur im Online-Shop der Band erhältlich und auf 1000 Exemplare limitiert.
Die Band trat bei der Eröffnungsfeier der Commonwealth Games 2006 in Melbourne auf, bei der sie eine zusammen mit dem Melbourne Symphony Orchestra aufgenommene Version von Under The Milky Way spielten. Die Eröffnungsfeier wurde in vielen Ländern live im Fernsehen übertragen. Schätzungsweise über 1 Milliarde Menschen schauten zu. Diese Version des Liedes wurde gleichzeitig auf einer CD names Melbourne 2006: Commonwealth Games Opening Ceremony veröffentlicht, die die Musik dieser Eröffungsfeier enthielt.
Am 17. April 2006 wurde das neue Studioalbum Uninvited, Like The Clouds veröffentlicht. Vorab erschien als erste Singleauskopplung die Block EP, die es zunächst nur im Online-Shop auf der Homepage der Band gab.
Stil
Der Stil von The Church hat sich über die Jahre markant verändert. Die frühen Songs waren größtenteils einfach strukturiert. Die erste Single, She never said, hatte einen New Wave-artigen Staccato-Rhythmus, über dem Kilbeys Bowie-inspirierter Sprechgesang lag. Kurze, gitarrenbetonte Stücke dominieren auch das Debüt Of Skins and Heart. Parallelen sind möglicherweise bei den frühen XTC, Television, den Beatles und Echo & The Bunnymen zu finden. Ungewöhnlich für die Zeit waren jedoch Experimente mit überlangen Songs mit verschiedenen "Sektionen" (Is this where you live, 1981). Der prägnante Einsatz von Willson-Pipers zwölfsaitiger Rickenbacker-Gitarre brachte The Church Vergleiche mit den Byrds ein, obwohl kaum eine stilistische Nähe besteht.
Das zweite Album, The Blurred Crusade, verfeinerte den Sound und stellte die Sixties-Einflüsse noch deutlicher in den Vordergrund. Die Single Almost with you ist repräsentativ für den frühen Church-Stil: die glockenartigen Arpeggien von Willson-Pipers Gitarre, atmosphärische Soli und Klangeffekte in ungewöhnlichen Voicings von Peter Koppes, Richard Ploogs recht harter, treibender Schlagzeugsound und Kilbeys dunkle Stimme mit ihrer Intonation zwischen Gesang und Rezitation. Auch The Blurred Crusade beinhaltet mit dem neunminütigen You Took ein psychedelisches Art-Rock-Stück.
Seance, das dritte Album, war ein Versuch, den Church-Sound mit Synthesizer-Klängen und "elektronischerer" Produktion zu aktualisieren. Unter der Ägide von Nick Launay (Midnight Oil, Kate Bush) entstanden, fällt vor allem der exzentrische, kanonenartige Drum-Sound auf. Mit Travel by thought enthält Seance ein psychedelisches improvisiertes Klangexperiment. Auch das Nachfolgealbum Remote Luxury arbeitet mit Keyboard-Klangflächen und experimentellen Gitarrenklängen. Die klare Trennung von Leadgitarre (Koppes) und Rhythmusgitarre (Willson-Piper) löst sich immer mehr zugunsten eines "texturierten" Klangideals auf. Soli und Riffs werden zunehmend durch ein komplexes Gewebe aus mehreren Gitarrenstimmen, die wie Zahnräder ineinandergreifen, ersetzt.
Heyday (1985) verzichtet fast vollständig auf Synthesizer-Klänge. Die Produktion von Peter Walsh (Simple Minds, Scott Walker) ist mit ihrem durchsichtigen Klangbild zum Gros der Mittachtzigerproduktionen ausgesprochen querständig. Soli kommen kaum vor, stattdessen dominiert ein von zwölfsaitigen Gitarren geprägter kaleidoskopartiger Sound mit massivem Einsatz von Gitarren-Effekten (Echo, E-Bow, Bordun). Kilbeys Gesang löst sich deutlich vom Vorbild David Bowie. Statt synthetischen Streichern kommt auf einigen Songs ein echtes Sinfonieorchester zum Einsatz. Starfish (1988) verbindet das Aufgebot an Gitarreneffekten mit im Gegensatz zum psychedelischen Klangteppich von Heyday schärfer konturierten, rockigeren Gitarren-Stimmen. Voicings mit offenen Saiten und modale Skalen prägen den Sound; diese Richtung setzt sich auf Gold Afternoon Fix in noch durchsichtigerer Weise fort.
Priest=Aura (1992) integriert wieder verstärkt Elemente des Prog Rock. Das Zusammenspiel von Koppes und Willson-Piper wird immer komplexer. Durch die Schaffensweise der Band in langen Jam-Sessions entstehen Songs mit einer Vielzahl an oft gegenläufigen Melodiestimmen und ungewöhnlichen Akkorden. Die meist mollgefärbten oder modalen Songs werden elegischer und immer ausgefeilter. Im Mix verbergen sich eine Vielzahl an kleinen Details; die Songstrukturen werden elaborierter. Verstärkt werden auch Geräusch und Weißes Rauschen (möglicherweise inspiriert durch die Experimente von My Bloody Valentine als Klangelemente miteinbezogen.
Sometime Anywhere (1994) spiegelt einen radikalen Bruch wider, ausgelöst durch den Ausstieg von Peter Koppes. Was den Gitarrensätzen an Komplexität verlorengeht, wird durch massiven Einsatz von Sequenzern und elektronisch erzeugten Sounds kompensiert. Willson-Pipers Spiel setzt sich mit seinen einstimmigen Experimenten deutlich von seinem bisherigen Stil ab. Diese Linie wird, etwas weniger elektronisch dominiert, auf Magician Among The Spirits fortgesetzt. Hinzu tritt auf manchen Stücken deutlich der Einfluss von "Krautrock"-Bands wie Can oder Neu!. Die Aufnahme von Steve Harleys Song Ritz stellt eine Hommage an die 1970er Jahre dar. Hologram Of Baal ist hingegen ein Versuch, nach dem Wiedereinstieg von Peter Koppes zum kompakteren Klang der Starfish-Ära zurückzufinden, erweitert durch Elemente der Ambient Music. After Everything Now This ist hingegen von einem weichen, fließenden, elegischen Sound geprägt, in dem vor allem ein orchestraler, streicher-artiger Gitarrenklang vorherrscht; Steve Kilbeys Texte haben deutlich persönlichere, emotionale Inhalte.
Forget Yourself (2004) stellt eine Art Fazit aus den verschiedensten Phasen des Church-Sounds dar. Nach dem getragenen After Everything Now This tendieren The Church hier wieder zu rauheren Klangfarben und gleichsam enzyklopädischem Einsatz einer Vielzahl von Gitarren und Effektboxen bei oft höchst ungewöhnlichen Songstrukturen: Als Beispiel sei The Theatre and its Double genannt, das wie ein Walzer beginnt und in ein bizarres, Flamenco-haftes Solo ausufert. Die Produktion fällt durch ihren spröden, live-artigen und doch vielschichtigen Klang auf.
Songtexte
Für die mit Abstand größte Anzahl an Texten ist Steve Kilbey verantwortlich, der auch alle Alben bis Heyday so gut wie im Alleingang schrieb. Brachte Kilbey in der Frühphase stets fertige Songs mit ins Studio, die von den Musikern gemeinsam arrangiert wurden, änderte sich der Schaffensprozess ab 1985. Seither bestimmten, wie erwähnt, Jam-Sessions die Entstehung der Lieder. Zunächst wurde die Musik fertiggestellt, danach schrieb Kilbey Texte zur Musik. Kilbeys Dichtungen werden oft als surreal bezeichnet. Kilbey dementiert dabei stets, dass seine Texte eine festgelegte Bedeutung hätten. Er möchte sie also als art pour l'art darstellen. Überblickt man jedoch das gesamte Schaffen, kristallisieren sich mehrere stets wiederkehrende Themenkreise heraus: Mythen und Legenden, Traum- und Albtraumvisionen, Drogenfantasien und Orientalismen, biblische (dabei nicht christliche) Motivik. Diese Themen werden in einem wortgewaltigen Stil mit zahlreichen Wortspielen und Referenzen verknüpft. Kilbey selbst hat jüngst geäußert, seine Texte drehten sich um Liebe, Angst, Versuchung, Schöpfung und die ewige Suche nach dem Sinn. Oft versucht er, mit nur wenigen Strichen und Andeutungen einen kompletten epischen Verlauf zu skizzieren, dessen Ausgestaltung er der Fantasie des Hörers überlässt.
The Church gehen auf gewisse Weise subversiv mit ihren Texten um. Besonders auffallend ist, dass die Band es ablehnt, die Texte auf den Platten abdrucken zu lassen. Gesungene Texte seien zum Hören, nicht zum Lesen da. Kilbey gefällt zudem die Vorstellung, dass sich der Text zumindest zum Teil erst im Kopf des Hörers konstituiert und dort neue, unvorhergesehene Bedeutungen erzeugt. Erst mit Aufkommen des Internets war es möglich, an eine komplette Textsammlung zu kommen. Bis heute jedoch sind – auch in englischsprachigen Ländern – manche Verse der Church-Texte nicht mit letzter Sicherheit transkribiert. Das Missverständnis gehört zum Konzept.
Soloalben und Projekte
Alle Bandmitglieder haben insgesamt mehr als ein Dutzend Soloalben veröffentlicht, wobei Steve Kilbey der aktivste ist. Weiterhin sind sie entweder als Produzenten aktiv oder beteiligen sich als Musiker an anderen Projekten. Details darüber sind auf den Seiten der Bandmitglieder Steve Kilbey, Marty Willson-Piper und Peter Koppes nachzulesen.
Aus der Vielzahl von Projekten seien hier ein paar als Beispiel genannt:
* Isidore (Projekt von Steve Kilbey und Jeffrey Cain, ehemals Remy Zero)
* Jack Frost (Gemeinschaftsprojekt von Steve Kilbey und Grant McLennan von den Go-Betweens)
* The Saints (2004 stieg Marty Willson-Piper als Gitarrist bei der australischen Band ein)
* All About Eve (Marty Willson-Piper war Gitarrist für mehrere Jahre)
* Mae Moore (Steve Kilbey als Produzent und Musiker)
* Margot Smith (Peter Koppes ist Musiker auf ihrem Album Taste, es wurde auf seinem eigenen Label Immersion Music veröffentlicht)
* Spacejunk (Tim Powles' Studio)
Plattenlabel
Die Band war bei folgenden Plattenlabeln unter Vertrag:
* Parlophone / EMI Australien (1980 bis ca. 1986)
* Arista (ca. 1987 bis ca. 1994)
* Cooking Vinyl (seit ca. 1997)
Chartplatzierungen
Die Band hat im Laufe ihrer Geschichte nur wenige Chartplatzierungen erreicht, die bekannteste und erfolgreichste davon ist das Lied Under The Milky Way aus dem Jahre 1988. Abgesehen davon haben es noch ein paar Alben und Lieder in bestimmte Charts geschafft.
Die Musik im Film
* Donnie Darko ist ein Kultfilm aus dem Jahre 2001. Er spielt im Jahre 1988 und setzt zur Unterstützung der Handlung eine Reihe von Liedern ein, die zu der Zeit aktuell waren. Darunter ist eine 2 Minuten lange Szene, während der Under The Milky Way läuft. Schnitt und Handlung des Films sind dabei geschickt auf das Lied abgestimmt, wodurch das Lied wiederum die Bedeutung dieser Szene sehr gut unterstützen kann. Regisseur und Schauspieler betonen im Audio-Kommentar auf der DVD zum Film, wie gut das Lied in die Szene passt. Trotzdem wurde es im 2004 erschienenen Director's Cut des Films in eine andere, ca. 50 Sekunden lange Szene verlegt, in der es leise im Hintergrund im Autoradio läuft.
* A Foreign Affair (2003) verwendet eine Coverversion von Under The Milky Way, gespielt von einer Band namens Tripping Jar
* Der australische Fernsehfilm Walking On Water (2002) verwendet Under The Milky Way fast vollständig. Im Abspann wird eine Coverversion des Liedes gespielt.
* Looking for Alibrandi (2000): australischer Independent-Film, der The Unguarded Moment fast vollständig verwendet.
* Für Tequila Sunrise (1988) steuerte die Band das Lied Unsubstantiated bei, das aber im Film nur für einen Augenblick auftaucht. Es erschien auf dem Soundtrack zum Film und wurde bisher nur dort veröffentlicht.
* Storm Riders (1982) ist ein australischer Surfer-Film, der die B-Seite Life Speeds Up (später erschienen auf der Compilation Hindsight) und Is This Where You Live vom Album Of Skins And Heart verwendet. . User-contributed text is available under the Creative Commons By-SA License; additional terms may apply.
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Da THE QUAKES aber damals in den 80er Jahren in ihrer amerikanischen Heimat in Ermangelung einer Psychobilly-Szene auf ziemlich "verlorenen Posten" standen, siedelte die Band bereits kurz nach ihrer Gründung und ziemlich kurzentschlossen nach London um, wo THE QUAKES innerhalb kürzester Zeit zu einem festen und wichtigen Bestandteil der damals florierenden Psychobilly-Szene wurden. Ihr erstes Konzert in Europa gaben THE QUAKES auf einem Festival vor 4.000 begeisterten Psychobilly-Fans; es folgten Auftritte gemeinsam mit allen wichtigen Bands der Psychobilly-Szene, eine Tour mit THE COFFIN NAILS und die Veröffentlichung zweier Alben auf Nervous Records, die heutzutage in den entsprechenden Kreisen als absolute Klassiker gelten.
Da THE QUAKES aber unglücklicherweise ohne Arbeitserlaubnis (und damit illegal) in Großbritannien lebten und aktiv waren, wurden sie mehrmals des Landes verwiesen und pendelten in der Folgezeit kontinuierlich zwischen den USA (ihrer Heimat) und Europa (wo ihre Fans waren) hin und her. Frontmann PAUL ROMAN war zu dieser Zeit aushilfsweise auch Gitarrist bei der britischen Band DEMENTED ARE GO und THE QUAKES gingen auf Tour in Japan, woraufhin dort ein Album der Band beim Majorlabel Sony veröffentlicht wurde.
Mitte der 90er Jahre wurde es nicht nur um THE QUAKES ruhiger, auch die Psychobilly-Szene an sich schien praktisch nicht mehr existent zu sein. Nach einigen Jahren, in denen THE QUAKES sporadisch bei den wenigen Festivals auftraten, die in Europa noch stattfanden, stellte nicht nur die Band zu Beginn des neuen Jahrtausends überrascht (aber erfreut) fest, dass die europäische Psychobilly-Szene aus ihrem "Dornröschen-Schlaf" erwachte – und dass es nun auch in den USA erstmalig Interesse an ihrer Musik gab!
Seitdem haben THE QUAKES zwei neue Alben veröffentlicht (das aktuelle erschien Ende letzten Jahres und trägt den Titel "Psyops"), sind auf Tour in Europa und Japan gewesen und bei diversen Festivals in ihrer amerikanischen Heimat aufgetreten. Dabei bewies sich, dass THE QUAKES stets ihrem "Old-School-Style" treugeblieben sind: "Klassischer" Psychobilly trifft auf Neo-Rockabilly und wird sowohl mit Hillbilly-Country als auch New-Wave- und Punk-Rock-Einflüssen zu einem sehr eigenständigen Gebräu abgerundet, das einmal als eine "Mischung aus THE STRAY CATS, ADAM & THE ANTS und THE CLASH" bezeichnet wurde.
Sicher ist jedenfalls, dass THE QUAKES auch heutzutage mindestens noch immer so gut und wichtig sind wie DEMENTED ARE GO und andere englische Psychobilly-Bands der ersten Stunde. . User-contributed text is available under the Creative Commons By-SA License; additional terms may apply.
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